Alternative Visionen Eine weibliche Perspektive. Interview mit Marc Feustel

Marc Feustel ist Kurator zweier Schlüsselausstellungen der Ausgabe 2024 des T3 Photo Festival Tokyo: „Alternative Visions A Female Perspective“ und „The Wall vs the Page“.

Beginnen wir zunächst mit der Ausstellung „Alternative Visionen. Eine weibliche Perspektive.“ Was ist seine Entstehung?

2017 wurde ich vom T3 Photo Festival als Redner über die westliche Wahrnehmung japanischer Fotografie eingeladen. Ich war ziemlich überrascht, wie sehr sich die japanische Öffentlichkeit für dieses Thema interessierte. Dann kontaktierte mich Ihiro Hamayi, der Leiter des Festivals, damit wir uns eine Ausstellung rund um den fünfzigsten Jahrestag der MoMA-Ausstellung „Neue japanische Fotografie“ vorstellen konnten. Es ist eine Ausstellung, die ich mir in den letzten Jahren auf meiner Reise durch die japanische Nachkriegsfotografie oft angesehen habe. Die Idee besteht nicht einfach darin, Kerzen auszublasen, sondern einen Rückblick auf diese Ausstellung und ihren Einfluss im Laufe der Zeit zu werfen und die verschiedenen Elemente der Ausstellung zu dekonstruieren. Diese Ausstellung basierte auf einer besonderen Kuratorschaft: der Idee, japanische Fotografie rund 15 Künstler zu einer Zeit zusammenzufassen, als Informationen nur schwer zirkulierten. Nicht nur 15 Künstler, sondern 15 zeitgenössische Künstler, die meisten davon jung.

Es gibt jedoch Mängel und Mängel.

Ja, ich wollte mir das anschauen, was damals noch nicht gezeigt wurde. Ich habe zwei Konzepte vorgeschlagen. Die erste beruhte auf der Tatsache, dass unter den 15 vorgestellten Fotografinnen keine Fotografinnen waren. Daher war es notwendig, eine Ausstellung zu schaffen, die sich auf gleichzeitig aktive Fotografinnen konzentriert, die in Betracht gezogen werden könnten. Die Idee bestand darin, keine völlig unbekannten Künstler zu finden, sondern Künstler, die bereits in Zeitschriften veröffentlicht hatten, die bereits ein Buch entworfen hatten, die bereits ausgestellt hatten und die in gewisser Weise in der Welt der Fotografie existierten.

Warum waren in der MoMA-Ausstellung keine Frauen zu sehen?

Die Welt der Fotografie war in Japan vollständig von Männern dominiert. Sayuri Kobayashi vom Tokyo Museum of Modern Art führte eine Recherche durch und untersuchte die Liste der professionellen Fotografen, die bei der Japanese Professional Photography Society registriert sind. 1966 waren von über 400 nur sechs Frauen. 1974 waren es nur 27 von 950.

Einige Künstler waren jedoch in Camera Mainichi, herausgegeben von Shōji Yamagishi, aufgetreten. Was wir nicht wissen, oder was ich nicht weiß, ist, inwieweit John Szarkowski und Shoji Yamagishi, die Kuratoren der MoMA-Ausstellung, die Arbeit dieser Fotografen im Vergleich zu der von Männern als gering einschätzten. Allerdings gab es damals in den USA durchaus heftige Kritik. Und angesichts des gesellschaftlichen und politischen Kontexts der 1970er Jahre ist es undenkbar, dass sie nicht daran gedacht hätten.

Unter den sechs beim T3 Photography Festival Tokyo ausgestellten Künstlern – Hisae Himai, Tamiko Nishimura, Toshiko Okanoue, Toyoko Tokiwa, Hitomi Watanabe, Eiko Yamazawa – war einer von ihnen so dominant wie Moriyama zu seiner Zeit?

Auffallend ist, dass sich alle diese Künstler voneinander unterschieden. Sie verkörpern eine sehr beeindruckende Praxisvielfalt. Zu diesem Zeitpunkt hatten diese Fotografen meist nur ein einziges Projekt fertiggestellt, ein Buch, wenn nicht sogar eine Ausstellung. Es war ihnen nicht gelungen, eine Karriere zu starten, und diese Projekte erforderten wahrscheinlich einen ziemlich großen Aufwand, um einen Verleger davon zu überzeugen, ein Buch einer Frau zu einem bestimmten Thema zu veröffentlichen. Der Vergleich mit Moriyama ist nicht möglich, und erinnern wir uns daran, dass dieser im Jahr 1974 im Vergleich zu seiner recht vielfältigen Produktion Shomei Tomats nur eine Serie präsentierte. In unserer Ausstellung war Eiko Yamazawa vielleicht die Einzige, die eine umfassendere Karriere begann. Sie war in die Vereinigten Staaten gereist, hatte dort mit einem führenden amerikanischen Fotografen zusammengearbeitet, dann ein Fotostudio eröffnet, während sie gleichzeitig eine Rolle in der Bildung spielte und zu einer Figur in der Welt der Fotografie geworden war, was insbesondere viele Frauen dazu ermutigte, sich fotografieren zu lassen.

Konnten Toshiko Okanoue oder Hitomi Watanabe, um nur einige zu nennen, 1974 von ihrem Beruf leben?

Hier liegen zwei ganz unterschiedliche Fälle vor. Die in Watanabes Ausstellung gezeigte Serie fängt die Studentenproteste von 1968 und 1969 in Japan ein, die zu den gewalttätigsten Demonstrationen in der modernen japanischen Geschichte zählten. Sie begann ihr Studium 1967 am Tokyo College of Photography. Watanebe begann in den 1950er Jahren mit dem Fotografieren, stellte jedoch nach ihrer Heirat ihre gesamte künstlerische Arbeit ein … Das war’s.

Können Sie uns mehr über Okanoues Werk erzählen, das dem Surrealismus sehr nahe steht?

Sie behauptet eindeutig den Einfluss des Surrealismus. Mit Imai Hisae ist sie auch nicht die Einzige in der Ausstellung. Japan war schon immer sehr an im Ausland entstandenen künstlerischen Bewegungen interessiert. Er ließ sich stark von dem inspirieren, was im Westen, in Europa und in den Vereinigten Staaten geschah. Selbst als das Land in sich geschlossen war, bestand immer der Wunsch, zu verstehen, was sich anderswo entwickelte. Fotografie ist der Inbegriff davon. Okanoue stand dem literarischen Surrealismus nahe. Sie ist keine Fotografin, sie macht keine eigenen Bilder, sondern nutzt vorhandene Bilder, etwa aus westlichen Magazinen Leben, Mode. Ihre Arbeiten stehen im Einklang mit dem in diesen Magazinen vermittelten Bild davon, was Frauen sein sollten. Heutzutage machen viele Künstler keine Bilder, sondern verwenden vorhandene Bilder. Aber in Japan ist es in dieser Zeit einzigartig in seiner Art.

Was ist das zweite Projekt, das mit dem Festival entwickelt wurde?

Die andere Ausstellung ist eine weitere Beobachtung. „Neue japanische Fotografie“ im MoMA präsentierte fast keine Bücher. Allerdings war das Fotobuch zu dieser Zeit in Japan absolut zentral. Mir kam die Idee, einen Lesesaal zu schaffen, um die Bücher aus der 1974 in New York ausgestellten Serie zu präsentieren. Ich meine Bücher, aber auch Zeitschriften, die zu dieser Zeit weiterhin wichtig waren. Die überwiegende Mehrheit der Bücher stammt aus der außergewöhnlichen Sammlung von Isawa Kōtarō, einem großen Sammler von Fotobüchern und Gründer des Magazins Schon gesehen. Heute ist er Besitzer des Cafés Kawara Coffee Labo, in dem ein großer Teil seiner Sammlung frei zugänglich und zum Lesen zugänglich ist. Das Buch ist dazu da, konsultiert zu werden. Ganz gleich, wie wertvoll das Buch auch sein mag, der Leser muss in der Lage sein, es zu halten, die Seiten umzublättern, darin zu blättern, es anzusehen und als Erkundung und nicht als festen Gegenstand zu entdecken.

Außerdem präsentieren wir in einem weiteren Raum die in den letzten Jahren erschienenen Neuausgaben bzw. Faksimiles dieser Originalbücher.

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