Buch: Andreas Beyer hinterfragt „Der Körper des Künstlers“

Künstler sollen eine schöne Seele sehen. Das Ding verhindert, dass sie einen Körper haben. Diese romantische Idee stirbt schwer. Es spiegelt eine ätherische Vision von Malerei und Skulptur wider, sowohl „mental“ als auch nicht physisch. Eine lohnende Idee, weil sie abstrakt ist. Allerdings eine falsche Vorstellung. Um sich davon zu überzeugen, muss man nur „Der Körper des Künstlers“ von Andreas Beyer (2022) lesen, dessen französische Übersetzung dieser Tage bei Actes Sud erscheint. Das Werk ist daher Teil der Sammlung „Les Appearances“ von Jérémie Koering, selbst Autor eines faszinierenden „Les iconophages“, über das ich 2021 mit Ihnen gesprochen habe. Ja, wir können uns dazu verleiten lassen, saubere Bilder zu verschlingen!

Andreas Beyer, Professor für moderne Kunstgeschichte (gemeint sind die Jahre 1500 bis 1800) an der Universität Basel, zeigt uns anhand eines Beispiels, dass die bildenden Künstler des klassischen Zeitalters sich kleideten, aßen, verdauten (gut oder schlecht), krank oder depressiv wurden, schlief und träumte. Sie hatten keine Angst vor harten Worten oder gut gekochtem Fleisch. „In meinen Werken vergieße ich Blut“, zögerte Michelangelo nicht zu schreiben, zweifellos der spirituellste Meister der Renaissance. Im Gegensatz zu vielen Kollegen führte der Toskaner ein nüchternes, wenn nicht genügsames Leben, das es ihm ermöglichte, mit 89 Jahren in guter Verfassung anzukommen. Nur ein kleiner Ausritt am Abend. Ansonsten ein Berufsleben, das von einer starken Freundschaft (mit Vittoria Colonna) und einer anhaltenden romantischen Leidenschaft (für Tommaso di Cavallieri) geprägt ist.

Um in die Materie einsteigen zu können, musste Andreas Beyer aus bekannten Leben, meist aus deren Nöten, Nutzen ziehen. Glücklicherweise unterschied Vasari, der „Vater“ der Kunstgeschichte, in seinen unvergleichlichen Biografien, die 1550 und dann 1568 veröffentlicht wurden, noch nicht zwischen Körper und Seele! Von ihm wissen wir, dass Piero di Cosimo, den seine Zeitgenossen als exzentrisch betrachteten, von hartgekochten Eiern lebte und in seinem Haus eingesperrt war, bevor eine teilweise Lähmung seiner Tätigkeit ein Ende setzte. Die Sache wurde nicht unbedingt als negativ angesehen. In Italien wurde seit Beginn des 16. Jahrhunderts anerkannt, dass große Künstler Genies und daher Individuen wie kein anderer waren. Sie mussten sich von der Masse abheben. Der Autor beschreibt daher ein Selbstporträt von Albrecht Dürer, das auf dem Cover seines Buches verwendet wurde. Der Deutsche trägt einen Bart, der in den 1490er Jahren nicht gemacht wurde. Sein lockiges Haar ist damals unangemessen lang. Seine schwarz-weiß gestreifte Kleidung dürfte auch dafür sorgen, dass sich die Leute umdrehen, wenn er vorbeigeht.

Natürlich haben sich nicht alle Künstler der Vergangenheit so verhalten. Manche wirken völlig „normal“. Über Raffael, der jahrhundertelang als Inbegriff des Genies galt, gibt es daher nichts oder fast nichts zu sagen. Die erhaltenen Schriften über ihn weisen nicht auf Besonderheiten hin, obwohl Vasari andeutet, dass er 1520 im Alter von 37 Jahren an übermäßiger Überheblichkeit starb. Über Dürer, von dem ein Briefwechsel und ein Tagebuch erhalten sind, wissen wir hingegen fast alles. Sein Bedauern, nicht rechtzeitig vor dem Tod seines Vaters angekommen zu sein. Seine Trauer, als seine alte Mutter starb. Seine schwierige Beziehung zu einer Frau, die er sich nicht ausgesucht hatte. Seine Angst vor Krankheiten, die ihn manchmal dazu bringt, sich selbst als leidenden Christus darzustellen. Die Aufmerksamkeit, die er seinem eigenen Körper schenkt, der als potenziell feindliche äußere Hülle angesehen wird. Er zeichnet ihn Stück für Stück nackt mit einem kleinen Spiegel (große gab es damals noch nicht) mit der gleichen Gewalt, die Egon Schiele 400 Jahre später gegenüber seinem eigenen an den Tag legen würde.

Bestimmte klassische Künstler neigen jedoch dazu, die Grenzen zu überschreiten, die ihnen eine Gesellschaft auferlegt, die viel toleranter ist, als sie glauben. In „Der Körper des Künstlers“ gibt es einige Seiten über Jacopo Pontormo, der in den 1550er Jahren in Florenz ein sehr seltsames Tagebuch hinterließ. Dies ist die Geschichte eines Menschen, der von Essen und seiner Verdauung besessen ist. In sich selbst verschlossen, somatisierte der Mann (dessen Erfolg nachließ) seine Ängste, während er in San Lorenzo Fresken anfertigte, die wenig Anklang fanden (sie verschwanden im 18. Jahrhundert). Nur eine Person teilt ein paar Momente mit ihm. Dies ist sein Schüler Bronzino, der zum größten Porträtisten seiner Zeit wurde. Der Schüler kommt, um den Meister in seiner Not zu trösten und seine Riemen ein wenig anzuheben. Es gibt tatsächlich Selbstmorde unter Künstlern, auch wenn Andreas Beyer letztlich nur wenige davon aufzeichnete, wobei der Tod in der Regel als Unfalltod deklariert wurde, um von einer Bestattung profitieren zu können. Beyer führt jedoch den Fall des Tessiner Architekten Francesco Borromini an, der nach mehreren qualvollen Tagen verstarb, nachdem er Zeit zur Reue und damit zur Freisprechung gehabt hatte.

Auch der Wahnsinn kann auf der Lauer liegen. Es handelt sich natürlich um eine Geisteskrankheit, aber nicht nur in dem Maße, dass daraus eine Freiheitsberaubung wird. Wir zitieren in diesem Fall natürlich Vincent Van Gogh und die Anstalt Saint-Rémy. Andreas Beyer spricht lieber über Hugo van der Goes, dem Berlin gerade eine wunderbare Retrospektive gewidmet hat. Tatsächlich gibt es eine Chronik über den 1482 verstorbenen flämischen Maler, die von einem Mönch namens Gaspar Ofruys verfasst wurde und in der alle Aspekte seiner Gehirnstörungen beschrieben werden. Es ist der Abstieg in die Dunkelheit, mit einigen Remissionen, eines Künstlers, der als außergewöhnlich gilt.

Es gibt offensichtlich noch viele andere Dinge in diesem sehr dichten Werk, das auf einer armlangen Bibliographie basiert (25 Seiten in sehr kleiner Schrift). Die Grenztexte erweisen sich als etwas schwierig. Der Leser sollte sich nicht entmutigen lassen. Unter dem Titel „Exemplum“ kann das sechzehnte Kapitel am Stück gelesen werden. Beyer erzählt uns hier das Leben des sehr jung verstorbenen Taddeo Zuccari anhand der Zeichnungen seines jüngeren Bruders Federico, der später nicht ohne Reue seinen Platz einnahm. Es ist die Geschichte eines jungen Mannes, der hungrig ist, dem friert, der krank ist, der misshandelt wird und der schließlich im Rom der 1550er Jahre durchbricht, bevor er mit 37 Jahren stirbt, dem für Maler tödlichen Alter.“ Als er reich und berühmt wurde und eine Akademie für bedürftige junge Künstler leitete, wollte Federico diese Geschichte auf die Wände seines kleinen Palastes (der noch existiert) übertragen. Da er von Mailand über Madrid nach London gedrängt wird, wird er es niemals tun …

(1) Raphaël, Eustache Le Sueur, Watteau und Van Gogh starben im Alter von 37 Jahren.

Praktisch

„Der Körper des Künstlers“ von Andreas Beyer, übersetzt von Jean Torrent, von Editions Actes Sud, 297 Seiten sehr knapp gedruckt.

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Geboren 1948, Etienne Dumont in Genf studierte, die ihm wenig nützten. Latein, Griechisch, Jura. Als gescheiterter Anwalt wandte er sich dem Journalismus zu. Am häufigsten in den Kulturabteilungen arbeitete er von März 1974 bis Mai 2013 bei der „Tribune de Genève“ und sprach zunächst über das Kino. Dann kamen bildende Kunst und Bücher. Ansonsten gibt es, wie Sie sehen, nichts zu berichten.Weitere Informationen

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