narrative Figuration, Pop-Art fernab von Pop-Art

„Clip! Crap! Des bang! Des vlop! Des zip! Shebam! Pow! Blop! Wizz!“ ließ Serge Gainsbourg 1967 Brigitte Bardot in „Comic Strip“ singen. Im Videoclip zum Song – einem der allerersten seiner Art – gleicht die Schauspielerin, ausgestattet mit dunkler Perücke, engem rosa Overall und Superheldinnen-Umhang, einer Comic-Heldin. Eine ultrasexualisierte Frau, die in einer psychedelischen Pappkulisse Comic-Seifenblasen pustet. Damals unerhört.

Machen wir einen kurzen Zeitsprung um ein paar Jahrzehnte. Richtung Pully (VD), bei Kunstmuseum das in diesem Jahr seinen 75. Geburtstag feiert. Eine neue Ausstellung mit einem beschwörenden Titel erobert die Wände beider Stockwerke: „Narrative Figuration, Another Pop Language“. Auf den ersten Blick sind die ultrabunten Werke, die Comicfiguren und Slogans sowie aus der Werbung stammende Symbole darstellen, Pop. Nicht so sehr, wie wir später erfahren werden, als wir mit Victoria Mühlig, Co-Kuratorin der Ausstellung mit Yan Schubert von der Gandur Foundation for Art, durch die Ausstellung gehen.

In Paris geboren

Während Campbell Soup und Andy Warhols Marilyn im kollektiven Unterbewusstsein verankert sind, ist die narrative Figuration weniger bekannt. Beginnen wir mit einer Weltkarte: Im Gegensatz zur ausschließlich angelsächsischen Pop-Art bringt die narrative Figuration Künstler mit unterschiedlicherem Hintergrund zusammen. Diese französische Bewegung – sie trafen sich zum ersten Mal in Paris – eroberte in ihren Anfängen in den 1960er-Jahren den Rest Europas.

Im ersten Stock angekommen, erklärt der Co-Kurator das Thema: „Es war zunächst der Wunsch des Kunstkritikers Gérald Gassiot-Talabot und der Maler Bernard Rancillac und Hervé Télémaque, eine Alternative zur Pop-Art zu finden. Im Juli 1964 taten sie sich zusammen, um die Ausstellung „Daily Mythologies“ im Musée d’art de la ville de Paris zu organisieren. Indem sie sich der Pop-Art entgegenstellten, demonstrierten sie unterschiedliche künstlerische Ambitionen. Der Titel, der sich auf Roland Barthes bezieht, weckt die Idee, zu erzählen, was hinter einem Bild passiert. Eine Suche von Künstlern, die intellektueller, aber vor allem auf sozialer und politischer Ebene engagierter war.“

Politische Verankerung

Auch wenn die narrative Figuration einige Themen mit der Pop-Art gemeinsam hat – Walt Disneys Bestiarium der Superstars zum Beispiel –, ist sie bestrebt, sich im alltäglichen Leben und in der politischen Realität zu verankern. „In jenen Jahren herrschte in Europa eine sehr kritische Stimmung gegenüber den Vereinigten Staaten, und die Künstler weigerten sich, sich dieser angelsächsischen Bewegung anzuschließen“, erklärt der leidenschaftliche Kurator.

Andererseits haben die Maler dieser malerischen Bewegung oft Schwierigkeiten, sich zu einigen. Diese Meinungsverschiedenheiten, manchmal politischer, manchmal künstlerischer Natur, wirken sich auf dem Kunstmarkt zweifellos negativ auf sie aus. „Einige Künstler finden es nicht schlimm, mit angelsächsischen Pop-Artisten verglichen zu werden, während andere versuchen, ihre Opposition gegen den US-Imperialismus und den Vietnamkrieg bekannt zu machen. Einige engagieren sich eher sozial als politisch, während andere sich an den Demonstrationen vom 68. Mai beteiligen. Diese Unterschiede haben sie schnell gespalten. Im Nachhinein kann man davon ausgehen, dass sie, wenn sie sich darauf geeinigt hätten, sich unter dem Namen europäische Pop-Art zu vereinen, ebenso bekannt gewesen wären wie ihre englischen und amerikanischen Kollegen“, bemerkt der Museumskurator.

Themenroute

Die Ausstellung ist in mehrere Themen gegliedert. Nach dem Eintauchen in die Welt der Comic-Einflüsse geht der Rundgang weiter und zeigt die sozialen Veränderungen durch Werbung, Fotografie und Kino. Weiter wird das wirtschaftliche Wachstum der Trente Glorieuses mit der Entstehung eines neuen Wohlstands für die Mittelklasse erzählt.

Bevor es am Ende um künstlerisches Engagement und Protestsprache geht, zoomt die Ausstellung auf die Archetypen der Weiblichkeit. Und wir denken zurück an Bardot in Gainsbourgs Videoclip. Unter anderem. Denn während BB ihre cartoonhaften Lautmalereien singt, macht sich Jane Fonda 1968 vor der Kamera ihres Mannes Roger Vadim im sexy Barbarella-Overall auf, um den Weltraum zu erobern.

Die Macht des Humors

Wir sind weit gekommen. Kaum haben sie daran gedacht, ihre Küchenschürzen abzugeben und ihre Bügeleisen abzulegen, sehen die Frauen, wie ihre Figur zurückerobert wird, um ihre Emanzipation zu verdeutlichen. Instrumentalisiert und sexualisiert, während sie in ihrer Objektivierung, insbesondere in der Werbung, ausgelöscht bleiben, haben einige Künstler ein schelmisches Vergnügen daran, die Machoprinzipien des Patriarchats zu entlarven. Wie Eulàlia Grau, die bereits in den 1970er Jahren den Humor als beispiellose Kraft nutzte, um die Absurdität der Geschlechterungleichheit aufzuzeigen. Beachten Sie, dass die spanische Künstlerin während des Runden Tischs und Brunchs am 27. Oktober um 11 Uhr mit dem Kunstsammler Jean Claude Gandur sowie dem Co-Kurator der Ausstellung Yan Schubert diskutieren wird.

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