Die furiose Handwerkskunst von György Ligeti nach Pierre Bleuse und l’Intercontemporain

Für seine erste Aufnahme als neuer musikalischer Leiter des Ensemble Intercontemporain gelingt Pierre Bleuse ein großer Schlag mit diesem umfangreichen musikalischen Porträt, mal Konzert-, mal Kammermusiker, von György Ligeti: eine Auswahl, die in über fünfzig Jahren Schaffensgeschichte zusammengestellt wurde.

Diese zwei CDs umfassende Anthologie bringt neben der meisterhaften künstlerischen Bewältigung des Ganzen durch den französischen Dirigenten auch das sagenhafte Talent zahlreicher Solisten der Pariser Phalanx zur Geltung: Besser noch, sie stellt neue Bezüge innerhalb einer bereits reichhaltigen Diskographie her.

Denn jenseits der relativen Ungleichheit der ausgewählten Werke offenbart sich die tiefe Einheit der Karriere des Komponisten: magyarische Quellen, treibende Kräfte der fünf Jugendwerke für Klavier zu vier Händen (1942–50) und die unterirdische Bewässerung der Sonate für Solobratsche, ein halbes Jahrhundert später, Praxis der Mikropolyphonie (Raumkonzert aus den Jahren 1969-70) führte zu buchstäblich „unerhörten“ Makrostrukturen, einer neuen Konzeption des Klangkörpers, die den Konzertrahmen neu definierte (Cellokonzert ab 1966), intensive Arbeit an rhythmischer Komplexität (Konzert für Klavier, von 1985, geschrieben als Erweiterung des ersten Studienbuchs für Tasteninstrumente) angesiedelt am Schnittpunkt der Kulturen (Violinkonzert, 1990-92, Lassen Sie sich von mittelalterlichen Schluckaufen, afrikanischen Traditionen südlich der Sahara oder … inspirieren Vierte Symphonie von Schostakowitsch)

Pierre Bleuse hebt durch eine bis ins kleinste Detail verfeinerte Installation an der Spitze eines Intercontemporain-Ensembles in großartiger Form und großartig eingefangen in der Cité de la Musique durch die Partituren die fast mechanische Präzision der Rede hervor (dritter Satz von Raumkonzertextreme Zeiten von Konzert für Klavier), die schillernde Poesie des neuen Klangs (Uraufführung von Cellokonzerthier eine sehr „Scelsi“-Optik gegeben), oder auch die atemberaubende Ästhetik der Motivraster (extreme Bewegungen der Raumkonzertein Du Konzert für Klavier). Aber Dirigent und Musiker gehen über all diese anspruchsvollen schriftstellerischen Prozesse hinaus und machen diese Musik durch rasante Handwerkskunst prächtig – um an René Char zu erinnern – all seine Ausdruckskraft, manchmal störend, manchmal spöttisch, mit diesem für den Komponisten so charakteristischen Wechsel zwischen jubelndem Aufbrausen (den klanglichen „Raketen“ des Intermezzos des Violinkonzert) und niederschmetternde Verwüstung (die Wüstenrauheit der zweiten Periode von Konzert für Klavier oder Raumkonzert oder die halbparodischen Klagelieder der Okarinas nach Lust und Laune des Violinkonzert).

Diese Produktion ist solistisch nicht zu übertreffen, in voller Gemeinschaft mit einem sehr engagierten Dirigenten. Hae Sun Kang verteidigt alle Unklarheiten Violinkonzert mit der Eloquenz einer echten Tragikomödie: So platziert sie die Partitur zwischen sibyllinischem Lächeln und tränenreicher Nostalgie. Die virtuosen Züge scheinen also aus dem romantischen Sologestus zu stammen, durch eine unbändige Ausdruckskraft und eine phänomenale instrumentale Meisterschaft. Seine hochmütige und intensive, aber manchmal sardonische Vision im Finale erklimmt den Höhepunkt einer ziemlich umfangreichen Diskographie; eine ziemlich einzigartige Version, die außerdem mit der sehr schönen Kadenz bereichert wird, die Philippe Manoury anlässlich dieser „Hundertjahrfeier“ komponiert hat und die vor der letzten Coda die wichtigsten motivischen Meilensteine ​​des Werks in einem perfekten Geist der Kontinuität und stilistischen Synthese wiederverwendet.

Renaud Déjardin spielt mit den schrecklichen technischen Schwierigkeiten von COncerto für Cello in völliger und immersiver Verbindung mit dem dichten Instrumentalgefüge, das es umrahmt. Es ist schwierig, Dimitri Vassilakis, der sehr sauber und engagiert ist, bei dieser neuen Aufnahme von seinen ebenso ehrlichen Vorgängern innerhalb des EIC zu unterscheiden.

Wir können zweifellos bedauern, dass die zweite CD, nach einer ziemlich großartigen Version des Engagements und der Härte des Timbres Raumkonzertwurde durch die beiden fehlenden Ligeti-Konzerte (die fluoreszierenden) nicht vervollständigt Doppelt für Flöte, Oboe und Kammerorchester und das sehr Unerwartete und fast Barocke Hamburgische konzert für Horn, vier Naturkörper und kleines Orchester, die beide zweifellos zu spezifische Erweiterungen seitens des EIC im Rahmen dieser Produktion erfordern).
Deshalb haben wir dieses Doppelalbum mit einer Reihe von Kammermusikwerken aus verschiedenen Epochen vervollständigt, ohne allzu große chronologische Rücksicht zu nehmen. Beide Wutanfälle Die Stücke für Klavier aus dem Jahr 1947, die Maria Kurtag gewidmet sind, sind von eher dokumentarischem Interesse und werden sogar von einem leidenschaftlichen Dimitri Vassilakis verteidigt, zusammen mit Sébastien Vichard für die fünf Stücke für Klavier zu vier Händen – die vierzig Jahre nach ihrer Komposition rehabilitiert wurden und von denen einige Fragmente recycelt werden In Raffinierte Musik 0u die Kleinigkeiten für Bläserquintett.

Wesentlich umfangreicher sind die beiden abschließenden Programmergänzungen. Die Bratschensonate (19p1-94) ist mit ihren sechs Sätzen im Geiste der barocken Partita geschrieben, sie „entmildert“ in gewisser Weise die Stimmung des Instruments, die Intervalle und die Melodielinien (Lunga-Zeit) im Geiste einer imaginären oder neu interpretierten ungarischen Folklore (Squeeze, Lamento). John Stulz liefert hier eine härtere Version des Klangs, mit einem lebendigeren Klang und einem sehr klaren Anschlag auf die Saite, mit dieser wiederentdeckten Rustikalität, weniger sicher in der Intonation, das Werk ist vielleicht näher an der populären Sap, der siebenbürgischen Folklore oder dem Erbe von der kürzlich verstorbene Meister Sandor Veress, dem auch Ligeti seine Hommage erweisen wollte.

Ein weiterer großer Klassiker beschließt dieses prächtige Doppelalbum, das Trio für Violine, Horn und Klavierdas die bekannte Formel von Brahms’ Opus 40 aufgreift und zweifellos das bisher am häufigsten aufgenommene Ligetien-Opus darstellt. Diese Version vereint neben dem bereits erwähnten ausgesprochen hervorragenden Sébastien Vichard am Klavier den bemerkenswerten Diego Tosi an der Violine und Jean-Christophe Vervoitte am Horn. Es ist interessant, den neuen Stich mit dem zu vergleichen, der vor fast vierzig Jahren von anderen EIC-Solisten der „ersten Generation“ angefertigt wurde (Maryvonne Le Dizès, die gerade verstorben ist, Jacques Deleplancque und Pierre-Laurent Aimard – Erato wird neu aufgelegt). . Der Neuling gewinnt rhythmische und agogische Freiheit (sehr lebendig, sehr rhythmisch) in Flexibilität und Klangfreiheit (die Ich bereue es abschließend erbärmlich). Diese neue Version mit einer sehr authentischen Geste jenseits jeder instrumentalen Meisterschaft erscheint als freie Neuinterpretation einer Rückkehr zur dunkelsten, ja verzweifelten Romantik.

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