Lyrische Kunst: Bedeutung und Kühnheit beim Festival Aix-en-Provence

Lyrische Kunst: Bedeutung und Kühnheit beim Festival Aix-en-Provence
Lyrische Kunst: Bedeutung und Kühnheit beim Festival Aix-en-Provence
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Aix-en-Provence (Bouches-du-Rhône), Sondergesandter.

Inflation, Rückgang oder Stagnation der Subventionen, Budgets auf halbem Mast und abgesagte Vorstellungen … Trotz Rekordbesucherzahlen haben Operninstitutionen zu kämpfen. Das Aix-en-Provence International Lyric Art Festival bildet da keine Ausnahme: Im vorangegangenen Haushaltsjahr verzeichnete die Institution ein Defizit von 4 Millionen Euro.

Eine beträchtliche Summe, die die Ausgabe 2024 gefährdete, bis ein gut geführter runder Tisch mit den Gemeinden, ein lautstarker Aufruf zur Schirmherrschaft und eine Million Einsparungen erzielt wurden – insbesondere durch die Absage der Sizilianische Vesper, von Verdi – am Ende die Schulden abbezahlen. Die wesentliche Frage bleibt: Ist die Oper, eine Kunst, die bekanntermaßen konservativ und zwangsläufig teuer ist, immer noch legitim, wenn sie so viel öffentliche Förderung fordert? Oder noch deutlicher: Was hat er uns sonst noch zu sagen?

Wir können es Pierre Audi, der das Festival seit 2018 leitet, nicht verübeln, dass er sich vom Thema abwendet und der Schöpfung einen zentralen Platz einräumt. In diesen Zeiten der Verwirrung über Elitismus, angeheizt durch den Aufstieg der extremen Rechten, hält diese Ausgabe an der Messlatte der Kühnheit und Entdeckung fest. Ohne die gefeierten Klassiker zu vergessen.

Die Nachbildung einer mythischen und mysteriösen Oper

Das waren die Madame Schmetterling, von Puccini unter der Regie von Andrea Breth, das sich von aktuellen postkolonialen oder Genre-Lesungen entfernt und sich auf die Symbolik des Nō-Theaters oder die Wiederbelebung von Debussys Meisterwerk verlässt, Pelléas und Mélisandein der virtuosen und entschieden feministischen Inszenierung von Katie Mitchell, 2016 in Aix gegründet.

Zum Zeitpunkt des Applauses betraten alle Techniker, Manager und Bühnenarbeiter dieser kühnen Szenografie, die die Bühne wie viele Kisten des Unbewussten in Leinwände unterteilt, die Bühne und stahlen der Gesangsbühne fast das Rampenlicht, als ob sie es wären wollte sagen, dass die Oper, auch wenn sie erhebliche Ressourcen erfordert, im Gegenzug ein großes kollektives Abenteuer bleibt.

Schöpfung ist auch die Nutzung des Repertoires, der Nebenschritte und Neuanordnungen, wie sie der russische Regisseur Dmitri Tcherniakov bei der Eröffnung des Festivals anwandte, indem er zwei von Glucks Opern, deren Heldin dieselbe Iphigenie ist, damals in Aulide, miteinander verknüpfte in Taurid. Das Gleiche, wenn auch sehr unterschiedlich, sowohl in der musikalischen Umsetzung als auch in der Dramaturgie.

Ein gewagtes Wagnis und ein halber Erfolg für Tcherniakov, dem es nicht gelang, die Spannung zwischen den beiden Werken aufrechtzuerhalten. Wesentlich erfolgreicher gelang dies mit der „Nachbildung“ von Samson, Oper von Rameau nach einem Libretto von Voltaire, das aufgrund der königlichen Zensur nie das Licht der Welt erblickte, dessen Material der Komponist jedoch ausgiebig wiederverwendete.

Die Idee, dieser mythischen und mysteriösen Oper (wieder) Leben einzuhauchen, stammt von den Regisseuren Claus Guth und Raphaël Pichon, die an der Spitze des Pygmalion-Ensembles Rameaus Repertoire zu einer Spezialität gemacht haben und sich darüber Sorgen zu machen scheinen Kritik an lyrischen Institutionen. Es war ein totales, klangliches, visuelles, theatralisches und choreografisches Spektakel von durchschlagendem Erfolg, darüber hinaus war es eine relevante und ach so aktuelle Infragestellung des endlosen Kreislaufs von Rache und Gewalt.

Ein verrückter König, dessen Auswüchse an Wahnsinn am Ende Sympathie erregen

Im Register der Originalvorschläge ist Lieder und Fragmente, ein zweiteiliges Musiktheater mit Werken des englischen Komponisten Peter Maxwell Davies (1934–2016) und seines ungarischen Zeitgenossen György Kurtag (geb. 1926). Von Davies war esAcht Lieder für einen verrückten Königeine Single auf der Bühne, intensiv angeführt von Johannes Martin Kränzle mit seinen langen gelben Nägeln, seinem Lippenstift auf den Lippen und seinem Rimmel auf den Augen.

Im Jahr 1969 interessierte sich Davies für die Figur von König Georg III., der angeblich verrückt war und mit Vögeln und Bäumen sprach. Seine avantgardistische und fröhliche Musik unterstützt halluzinatorische Monologe, die alle Stimmlagen beanspruchen. Dieser verrückte König ist ein rührender Mann, dessen Auswüchse an Wahnsinn den Betrachter erschüttern und am Ende Mitgefühl erregen.

Das Werk ist komprimiert, aber kraftvoll. Kurtag ist ein Meister der Kurzform und komponiert musikalische Haikus. In Kafka-Fragmente, hat er aus dem Werk des tschechischen Schriftstellers einige Aphorismen gezogen, die sich ein Geiger und ein Sänger für kurze Minuten aneignen werden. Barrie Koskys Inszenierung, die sehr – wenn nicht sogar zu – rudimentär war, hatte Mühe, die Aufmerksamkeit auf diese poetisch-musikalischen Zwischenspiele zu lenken.

„Inwiefern ist dieses Jahrhundert schlimmer als alle anderen? »

Am Abend der zweiten Runde der Parlamentswahlen war die Luma-Stiftung in Arles Gastgeber Das große Ja, das große Nein vom südafrikanischen Künstler und Regisseur William Kentridge. Ein Musiktheaterstück, das treffender nicht hätte sein können. „ Inwiefern ist dieses Jahrhundert schlimmer als alle anderen? » steht auf der beweglichen Leinwand, die den Backstage-Bereich verhüllt.

Dann tauchen die Bilder der Nazi-Panzer auf, die im Gegensatz zu den Sowjets mit einigem Applaus durch die Hauptstadt paradierten, Montoires Händedruck und die großen Verrätereien, die ins Exil führten, in Richtung der Westindischen Inseln, André Breton, Claude Lévi-Strauss oder Wifredo Lam. auf dem Frachtschiff Kapitän-Paul-Lemerle.

Die große und kleine Geschichte spielt auf der Brücke unter der Führung von Charon, dem Fährmann der Hölle. Kentridge nimmt sich alle Freiheiten, indem er Aimé und Suzanne Césaire, Joséphine Baker und … Bonaparte, die Nardal-Schwestern, Pioniere der Negritude, oder Frantz Fanon hinzufügt. Die Überfahrt erinnert an die frühere, massive und mörderische Überfahrt der deportierten Sklaven.

Afrikanische Masken in Form von Kaffeekannen unterstützen die Groteske des Kolonisators, während Chorlieder von großer dramatischer Intensität, die der südafrikanischen Komponistin Nhlanhla Mahlangu anvertraut wurden, den Kolonisierten die Würde zurückgeben. Dominanz ist auch Kentridges wachsame Domestizierung mit Hilfe surrealistischer Gesten. Dieses Spiel sich überschneidender Geschichten, in denen Lenin, Trotzki und sogar Stalin auftauchen, ist ein Aufruf, den Kopf zu heben, ebenso wie ein klarer und schrecklicher, kurz gesagt militanter Blick auf die Kolonialgeschichte und die Barbarei, deren man sich möglicherweise schuldig gemacht hat kapitalistischer Westen.

Aix-en-Provence Festival, bis 23. Juli. Rens. : festival-aix.com

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