Michaël Borremans, der Maler des Rätsels

Mit großer Freude finden wir seine Werke – ältere oder neuere und nie zuvor gesehene –, die sowohl hervorragend im Stil der alten Meister gemalt als auch voller Rätsel sind. Es herrscht eine Sanftheit gemischt mit einer seltsamen Gewalt, die in scheinbar banalen Ansichten enthalten ist, die manchmal alten Alben entnommen zu sein scheinen. In der Porträtgalerie im letzten Raum blickt niemand geradeaus. Wir stehen vor einer beunruhigenden Fremdartigkeit, die weder Freud noch Magritte geleugnet hätten. Ein Blick auf unsere Menschlichkeit.

Borremans ist ein figurativer und sogar narrativer Künstler. Er erzählt uns Geschichten mit seinen Werken, die er mit rätselhaften Titeln versieht. Aber diese Erzählungen entgehen uns. Er gibt uns die Schlüssel nicht. Die Geschichte spielt sich vor uns ab und wir sehen nur seltsame Spuren davon. Das Gesicht dieses kleinen Mädchens mit geschlossenen Augen: Ist sie tot? Schläft sie? Wozu dienen diese lustigen Papsthüte? Aus welcher Vergangenheit stammen sie?

Die Borremans-Ausstellung im Bozar

Das Porträt eines kleinen Jungen wirkt sehr klassisch, aber aus seinen Augen gehen zwei Strahlen aus, sowohl die Strahlen der Heiligkeit in alten Gemälden als auch die Laserstrahlen von heute. In Der Deckel, Er malte einen Körper, einen jungen Körper, offenbar in gutem Gesundheitszustand, aber das Gesicht mit einem Deckel bedeckt, der an die Münzen erinnert, die den Verstorbenen aufgelegt wurden, damit sie ihre Reise in das Totenreich bezahlen konnten.

In Feuer von der Sonne, Wir sehen offenbar in Ungnade gefallene Cherubim, die an verlorenen Gliedmaßen nagen. In dieser Ausstellung sind dies die einzigen Figuren, die nicht stillstehen.

Es gibt fast nie Blut oder explizites Leiden. Doch oft ist die Angst noch stärker. Michaël Borremans vermeidet jedes Detail, das das Thema datieren oder geografisch verorten könnte.

Auch wenn er erst spät (33 Jahre alt) mit der Malerei begann, nachdem er zunächst als Zeichner tätig war, steht er in der Linie der großen Maler der Kunstgeschichte wie Velázquez, Chardin oder Manet, Künstler, die er bewundert und die gleichzeitig zutiefst zeitgenössische Werke schaffen arbeiten.

Der erste Raum mit drei kleinen Gemälden ist wie eine Ankündigung der Fortsetzung?

Es gibt eine Maske, wie ein anonymes, aber transparentes Gesicht. Es ist ein Stillleben, das vor Farbe und Schatten vibriert. Gegenüber gibt es Schläfer, ein schlafendes Kind, das auch an den Tod erinnert. Die Maske ist animierter als die Person! In all meinen Arbeiten gibt es diese Spannung zwischen dem, was belebt ist, und dem, was tot ist. Die roten und grünen Hände gehören mir, aber auch denen des Zuschauers. Ich wollte in Voorlinden nur Gemälde dieser Serie sehr weißer, fast heiliger Räume zeigen. Es ist eine Auswahl meiner Lieblingsgemälde, mehr als meiner bekanntesten Gemälde. Mir gefällt zum Beispiel das kleine Gemälde mit einem Schuh und einem Ziegelstein.

Der Titel der Ausstellung „Eine Konfrontation im Zoo“ ist seltsam.

Es ist vom letzten Raum inspiriert, mit elf Porträts ohne Funktion, die nichts mit der Individualität der Modelle zu tun haben. Ich mag es, das Genre der Porträtmalerei aufzubrechen. Manchmal setze ich ausdrücklich das Fremdartige hinein, aber oft ist es spontan mit meiner Persönlichkeit verbunden. Um es zu wissen, bräuchte man eine Psychoanalyse, die ich nicht gemacht habe.

Wir reden über Ihre Bilder, Van Eyck, Chardin?

Sie können Velázquez, Manet, Goya hinzufügen, ich habe viele Favoriten. Ich versuche, meinen Bildern mehrere Ebenen zu verleihen: Eine Person kann die Poesie schätzen, eine andere wird nach dem dahinter verborgenen Konzept suchen, wieder eine andere wird die Metapher oder einen impliziten Dialog mit Malern der Vergangenheit zu schätzen wissen. Ich mag es, wenn ein Gemälde mehrere Existenzgründe hat.

Kunstmarkt: Rekord für Michael Borremans

Nehmen Sie das Beispiel „Das Ei“ mit sechs fast identischen Gemälden, auf denen ein Mädchen seine Hände auf ein Ei legt. Oder Feuer von der Sonne?

In „Das Ei“ legt das Mädchen ihre Hände über das Ei, berührt es nicht und könnte es möglicherweise zerdrücken. Ich lasse das offen. Es ist diese implizite Spannung, die mich interessiert, ebenso wie die Wiederholung dieses Bildes, die ein Gefühl der Dringlichkeit vermittelt. An der gegenüberliegenden Wand ist eine weitere Wiederholung mit einem Mädchen zu sehen, das ein Stück Toast isst. Ich hatte zunächst nicht die Idee, Serien zu machen. Aber als ich sie an der Wand meines Ateliers aufstellte, sagte ich mir, dass es eine großartige Installation war. Jan Hoet, der mich mochte, liebte es. „Fire from the Sun“ ist völlig anders. Es handelt sich um eine Reihe großer Gemälde, sehr theatralisch und lebhafter als meine üblichen Werke, die ich für eine Ausstellung in Hongkong gemacht habe. Mit rot bemalten kleinen Kindern, die mit Blut und abgetrennten Gliedmaßen spielen. Und das deutet auf Kannibalismus und Gewalt hin, allerdings im Zusammenhang mit kleinen Kindern, die als unschuldig gelten. In der Kunstgeschichte sind kleine Kinder immer Putten, Engel. Ich wollte das umkehren. Es ist wunderschön und gleichzeitig ein wenig schockierend. Dies ist ein Kommentar zum menschlichen Zustand, zur Gewalt und zur unverantwortlichen Art und Weise, wie wir unsere Welt konsumieren. Diese Serie hat in den sozialen Medien in Asien und Amerika einige Kontroversen ausgelöst. Ich bin endlich ein umstrittener Künstler geworden! (lächeln).

Hat Ihre Kunst eine politische Bedeutung?

Es ist fast immer ein Kommentar zur menschlichen Verfassung. Aber manchmal ist es ergreifender, so wie hier. Es ist nie direkt, wörtlich. Ich mache nie einfache Illustrationen. Wir sind darauf konditioniert, Bilder als Illustrationen zu betrachten, um uns zu manipulieren oder zu bezaubern. Nicht alle von uns sind sich ihrer starken psychologischen Auswirkungen und ihres Einflusses auf Politik und Wirtschaft bewusst. Die Nazis nutzten es sehr effektiv. Kunst kann dann eine Kraft sein, dies zu verhindern. Wir sehen dies deutlich am Erfolg von Museen und daran, wie Menschen nach verschiedenen Dingen suchen, die ihnen Bewusstsein und eine Identität außerhalb der Welt des Konsums verleihen. Wir suchen nach Bedeutung in Dingen und oft suchen wir danach in Gemälden, weil sie jedes Mal einzigartig sind.

Sie sind eine Referenz in der zeitgenössischen Kunst, aber was bedeutet das für Sie? Welche aktuellen Künstler schätzen Sie?

Zeitgenössische Kunst geht in alle Richtungen, das ist sehr interessant. Wir befinden uns in einer revolutionären Zeit. Früher gab es eine Evolution, Avantgarden, jetzt ist alles da und wir sehen viele Künstler, die Synthesen schaffen. Alles ist möglich und alles darüber hinaus akzeptiert! Jeder Künstler ist seine eigene Avantgarde. Es vermittelt auch ein Gefühl von Chaos, das eine Form von Energie ist. Ich mag zeitgenössische Künstler, die ganz anders sind als ich, wie Paul McCarthy, weil er wirklich verrückt ist, er inspiriert mich, er hat Mut, er wagt alles, das bewundere ich. Er kennt keine Grenzen, er ist wild. Aber ich liebe auch Miriam Cahn seit zwanzig Jahren, ihre Arbeit ist etwas ganz Besonderes, sie ist großartig. Zuerst wusste ich nicht, was ich davon halten sollte, aber je mehr ich seine Arbeit kenne, desto mehr schätze ich sie. Es ist verrückt, aber auch sehr bewegend. Sie verwendet sehr kräftige, seltsame Farben.

Ihre belgische Galerie Zeno X schließt. Sind Sie in Belgien nicht mehr vertreten?

Ich arbeite ausschließlich mit David Zwirner zusammen, der auf der ganzen Welt präsent ist. Es ist sehr praktisch für mich und gibt mir viel Ruhe. Er kann in mich investieren.

Wir feiern den hundertsten Jahrestag des surrealistischen Manifests. Fühlen Sie sich in ihrer Abstammung?

Natürlich im Einklang mit der Dada-Bewegung und dem Surrealismus. Ich werde stark von Künstlern wie Bunuel oder Man Ray beeinflusst. Magritte natürlich auch, aber es ist in meinem Unterbewusstsein. Schon als Kinder waren wir in seine Welt eingetaucht wie in die von Van Eyck und Ensor. Diese Maler sind in unseren Wurzeln. Es gibt natürlich belgische Kunst. Belgien ist sicherlich ein recht junges Land, aber es gibt eine Einstellung, eine belgische Kultur, wie Tim, Arno oder Brüssel zeigen, die trotz aller Probleme Belgiens so belgisch ist. Es ist traurig, dass die erste Fähigkeit, die zwischen den beiden Gemeinschaften gespalten war, die Kultur war. Ihr Französischsprecher habt zum Beispiel großartige Regisseure, ihr wisst, anders als wir in Flandern, diese Sprache mit ihrer Poesie zu gebrauchen. Die Dardennes, Bouli Lanners … Es gibt eine einzigartige Filmkultur. In Flandern wissen wir nicht, was auf kultureller Ebene passiert, in Wallonien gibt es nicht genügend Kommunikation. Meine Werkstatt in Ronse liegt nahe der Sprachgrenze.

Michaël Borremans, Museum Voorlinden, in der Nähe von Den Haag, bis 23. März. Sie können den Besuch bis zum 12. Januar mit dem der sehr schönen Ausstellung kombinieren, in der Werke zu Nacht und Dunkelheit und Spilliaert und Dirk Braeckman im Kunstmuseum in Den Haag verglichen werden.