Tod von David Lynch, dem großen Filmemacher, der das Monströse und das Erhabene vereinte

Der Regisseur von „Sailor and Lula“ und „Twin Peaks“ starb im Alter von 78 Jahren, nachdem er gerade aufgrund des Brandes aus seinem Haus in Los Angeles evakuiert worden war. Als Ästhet und Einzigartiger, der dem einfachen Weg nie nachgab, hatte er das amerikanische Kino sehr weit gebracht.

LDas rußige Schwarz und Weiß, der Wind und der Rauch aus den Schornsteinen, die Asche und das Blut waren seit der Geburt von Lynchs Kino da. Erinnern Sie sich an den Albtraum im Kafka-StilRadiergummi (1977) und ihr gewickeltes Frühgeborenes. Traurige Ironie: David Lynch ist zweifellos an einem schweren Emphysem infolge jahrelangen starken Rauchens gestorben, im Alter von 78 Jahren. „Asche zu Asche“, wie Bowie sagte, und das zu einer Zeit, in der Los Angeles immer noch in Flammen steht. Diese Ankündigung ist brutal: der Autor von Blauer Samt und von Verlorene Autobahn unter Filmfans als bedeutender Regisseur gezählt, zweifellos das schönste Symbol eines konsequent plastischen Kinos.

Totale Kunst, experimentell, immer noch figurativ, aber am Rande der Entstellung oder Abstraktion. Es ist nicht nichts. Godard hatte es vor ihm getan, aber Lynch ging in der künstlerischen Geste einen Schritt weiter. Anders als der Autor von Pierrot der Narr, Der Ästhet mit der falschen Miene eines James Stewart (besonders in seiner Stimme), dessen Hemd immer bis zum Kragen zugeknöpft war, stammte weder aus Cinephilie noch aus dem alten Europa. Aber der amerikanischen Fantasie und Malerei, die er sein ganzes Leben lang praktiziert hat, ebenso wie Fotografie, Design, Bildhauerei oder Musik – wir verdanken ihm mehrere Alben, mit Industrial Rock oder Elektro. Und Gott weiß, wie sehr jeder seiner Filme aus einer unglaublichen Klangpaste besteht, zwischen kraftvollen Bassfrequenzen, Zischen und schrillem Free Jazz, geschaffen von Angelo Badalamenti, seinem Lieblingskomponisten.

Wiederkehrende Muster

David Lynch wurde 1946 in Missoula (Montana) geboren und zog als Kind viel durch mehrere Bundesstaaten, nachdem sein Vater, ein Biologieforscher am Landwirtschaftsministerium, mehrfach versetzt worden war. Dieses Wanderleben löste in ihm ein diffuses Gefühl der Unsicherheit aus, da er sich immer ein wenig fremd fühlte und durch seinen Wohnort reiste. Schon sehr früh lehnte er das einfache Kolorieren ab und begann mit dem Zeichnen und Malen. Dieser Tropismus ermutigte ihn, sich an einer Kunstschule einzuschreiben, zunächst in Boston, dann in Philadelphia, der Stadt, in der er sich mit seiner ersten Frau und ihrer Tochter Jennifer (zukünftige Direktorin) niederließ, die er im Alter von 22 Jahren jung war.

Der Bewunderer von Francis Bacon und Oskar Kokoschka überlegte daraufhin, das Medium zu wechseln und begann, sehr skurrile Kurzfilme zu drehen Das Alphabet et Die Großmutter. Wir können es schon sehen viele seiner Motive und festen Vorstellungen: der Traum, die Krankheit, die Metamorphose, das Tier und der Mensch, der Erdhügel, der Baum, die undefinierbare organische Materie. Es ist ein Vorspiel dazu Radiergummi, sehr verstörender Film über einen Drucker mit glattem Haar (Jack Nance, ein enger Freund, der zu früh gegangen ist), auch seltsam nur von seiner Umgebung terrorisiert. Sexphobie, Vaterschaftsangst, Missbildungswahn: Dieser erste Kultfilm ist eine Goldgrube für Psychoanalytiker. So etwas hatten wir noch nie zuvor gesehen, nicht klassifizierbar, so stark und verstörend, dass es lange Zeit ungeliebt war und von Kinogängern als zu „künstlerisch“ empfunden wurde. Aber synchronisiert von der Avantgarde und dem Post-Punk-Underground.

„Lynchian“, neuer Begriff

Zwei Jahre später löste sich Lynch vom Experimentellen und veröffentlichte sein erstes Meisterwerk: Elefant MaN (1980). Acht Oscar-Nominierungen krönten diesen absolut bewegenden Film über das Schicksal von Joseph Merrick (John Hurt, in der Rolle seines Lebens), der im viktorianischen England aufgrund seiner körperlichen Missbildungen zum Biest wurde. Ohne jemals zu dominieren, ist dieser Film eine bewundernswerte Lektion in Humanismus und Empathie, wobei der Autor meint, dass die Abscheulichkeit nicht im „Elefantenmenschen“ liegt, sondern in dem, was er ertragen muss – das Monster lauert hier in jedem von uns. Dieses Werk in Schwarz, seit seiner Veröffentlichung ein Klassiker, ist bis heute zweifellos das am besten zugängliche Werk. Denn später ließ es David Lynch nie ruhiger angehen. Außer Eine wahre Geschichte, Die geradlinige und leuchtende Odyssee eines Großvaters am Steuer seines Rasenmähers ist so gewunden wie möglich. Verschlüsselt und chaotisch, gewalttätig und dunkel, zutiefst mysteriös – sein Universum brachte einen neuen Begriff hervor: „Lynchian“.

Im Jahr 1990 landete der Filmer über Amerika und seine Albträume, über die Nacht und die Straßen, die ins Nirgendwo führen Sailor und Lula eine Goldene Palme, die viel Tinte zum Fließen gebracht hat. Diese verrückte und schwefelhaltige Eskapade mitten in der Wüste, angeführt von einem tosenden Paar (Laura Dern und Nicolas Cage mit seiner unvergesslichen Schlangenlederjacke), ist ein Elektroschock, der auf Rock und aggressivem Heavy Metal basiert, ein Dynamit im Sinne der Kriminalromane und ein Ehrenarm des amerikanischen Konservatismus. Das krampfhafte Roadmovie war ein großer Erfolg, doch viele protestierten. Und ein Großteil der Kritik ist immer noch wählerisch.

Humor aus dem Jenseits

Auf seine Serie muss man warten Zwillingsgipfel (1990-1991), so dass der Filmemacher endlich als ganz Großer anerkannt wird. Und es gibt einiges dafür zu sagen. Diese FBI-Ermittlungen zum Tod von Laura Palmer revolutionieren den kleinen Bildschirm völlig und verbinden eine surreale Saga mit einem überwältigenden Trip. Sie erfinden eine Art labyrinthische Erzählung, in der eine junge blonde Muse, ein von Kaffee besessener FBI-Agent, verträumte Mädchen im Teenageralter, ein Sheriff, ein einäugiges Mädchen, ein Pinguin, Geister, Engel und Teufel. Ein strahlend bevölkertes und prächtig dekoriertes Amerika mit seinen Pinienwäldern, Motels und Cafés. Von nun an wird die Geschichte der Serie nicht mehr dieselbe sein. Auf der Kinoseite ist es mit Mulholland Drive (2001) dass der Schöpfer die Zuschauer für immer prägt. Eine mitreißende Hommage an das Hollywood-Kino und die Stadt Los Angeles, eine höchst sinnliche Liebesgeschichte, eine schwindelerregende Reise durch Spiegel – dieses Meisterwerk ist eine seidige und fesselnde Reise. Wo Naomi Watts und Laura Harring als unvergessliche Halbgöttinnen auftauchen und verschwinden.

Sein neuester Spielfilm, Inlandreich, stammt aus dem Jahr 2006. Starke Erfahrung von Spuk, beunruhigender Leere und ruckartigen Bildern. Der Regisseur trieb die geistige Erkundung, sein großes Hobby, noch weiter voran und praktizierte auch transzendentale Meditation. Passieren in einem Korridor, beim Überschreiten einer Schwelle, beim halböffnen einer Tür, beim Heben eines Vorhangs, alle seine Filme bieten diese ebenso erschreckende wie aufregende Perspektive. Das verschiebt sich auf eine Szene, einen Vorraum des Todes, eine andere Raum-Zeit, wo das Monströse mit dem Erhabenen paradiert.

In Interviews behielt der Bewohner der Höhen von LA stets die gleiche Klasse bei, sauber gebürstet, die ewige Zigarette in der Hand. Seine Worte konnten neblig wirken, ohne jemals hochtrabend zu wirken. Er sprach mit seinen Händen, seine Finger flatterten, als ob die Worte nicht ausreichten oder sogar Gefahr liefen, die Bedeutung zu verwechseln. Er erkannte, dass er sich als Kind lange geweigert hatte, sich artikuliert und klar auszudrücken. Daher vielleicht seine Ästhetik übersinnlich, sowohl primitiv als auch anspruchsvoll, gleichermaßen konzeptionell und fleischlich. Alles angereichert mit einem ausgeprägten Sinn für das Absurde. Denn ja, keine Beleidigung für seine Kritiker, Lynch hatte auch einen Sinn für Humor, der sich über das Grab hinaus bestätigte. Als seine Familie seinen Tod verkündete, zitierte er einen Satz, der ihm besonders am Herzen lag: „Behalten Sie den Donut im Auge, nicht das Loch.“ » Hut ab vor dem Epitaph.