In der Bernardaud-Stiftung in Limoges flirten die Werke mit dem „Absoluten“

Die von der Bernardaud-Stiftung angebotene Ausstellung ist ein Tauchgang in die WeltAbsolut. Ein Titel, der Möglichkeiten mit den Werken von 13 international bekannten Künstlern eröffnet. Ihr gemeinsamer Punkt: eine privilegierte, beharrliche Beziehung zum Material.

Ausnahmslos alle haben sehr schnell Ja gesagt, um an dieser neuen Ausstellung teilzunehmen, die bis zum 29. März 2025 in der Avenue Albert-Thomas in Limoges stattfindet, und die meisten von ihnen haben eigens Stücke geschaffen. Es muss gesagt werden, dass die Bernardaud-Stiftung seit Jahren über unsere Grenzen hinaus zu einem sicheren Wert für Künstler geworden ist, die kreative Freiheit lieben.

„Wenn wir für die Bernardaud-Stiftung arbeiten, wird uns nichts auferlegt, wir haben immense Freiheiten. Als Kommissar ist es sehr komfortabel. „Mit Hélène Huret, der Direktorin der Stiftung, haben wir uns darauf geeinigt, dass wir in bestimmte Künstler regelrecht verknallt waren“, bemerkt die Kuratorin der Ausstellung, Stéphanie Le Follic-Hadida. Besonders erfreulich ist für einen externen Beauftragten auch, dass er sich in der Auswahl nicht eingeschränkt fühlt. Dies ist äußerst selten. Es gibt hier Menschen, die ich im Laufe meiner Karriere wirklich bekannt machen wollte. Dank dieser Ausstellung hatte ich die Gelegenheit, wirklich renommierte Künstler zusammenzubringen. »

Stéphanie Le Follic-Hadida intervenierte vor drei Jahren für die Ausstellung Zweideutige Schönheiten. Eine hyperfigurative Ausstellung. „Es war ein bisschen trashig und sehr zeitgemäß. »

Sie, die lange Zeit im Rodin-Museum arbeitete, musste eine skulpturale Sprache neu entdecken und sich mit Fragen des Materials, des Raums und der Umwelt auseinandersetzen. „Wenn ich den globalen Kontext betrachte, brauchte ich auf persönlicher Ebene etwas anderes und sagte mir, dass ich nicht der Einzige sein sollte, der dieses Bedürfnis nach einer Ruhepause, nach Kontemplation, nach ein wenig Poesie verspürt. »

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Oder wenn Werke zeitgenössischer Kunst von unserem Verhältnis zur Welt sprechen …

Valérie Hermans

Dieser Keramiker, der sich eifrig mit der Kalligraphie beschäftigte und schon in jungen Jahren von der chinesischen Malerei fasziniert war, wurde von dieser Akribie, diesem Blick auf die Natur, der Feinheit der Linie und ganz allgemein von dieser Kultur genährt.

Seine kleinen emaillierten Keramiktöpfe, die aus einem sehr verbreiteten Material, Eisen, hergestellt sind, präsentieren verschiedene Farben und spielen mit dem Licht. Der französische Künstler ist mit dem poetischen Universum vertraut. „Das Eisen hat nicht die gleiche Farbe, wenn es mehr oder weniger dick ist… Die Idee ist, mit dem Wunderbaren, der Beziehung zu Tieren, der Poesie der Kindheit zu spielen. » Sehen Sie sich auch die Biskuitporzellanfliesen an, die von Ausschneidebüchern, den „Pop-ups“ der 1950er Jahre, inspiriert sind.

Christian Gonzenbach

Neun Stücke aus seiner Hanabi-Serie (Feuerwerk auf Japanisch) werden in der Stiftung präsentiert. Der Künstler nimmt billige Vasen und zerstört sie teilweise, um sich zwei widersprüchlichen Kräften zu stellen: dem Behälter und der Explosionskraft von Metall bei 800 Grad. „Ich habe mich gefragt, was passieren könnte, wenn man diese beiden Kräfte zusammenbringt. » Die Antwort liegt in diesen äußerst kraftvollen Kreationen. Das geschmolzene Metall durchdringt die Keramik und lässt die Vase explodieren, hält die Teile jedoch zusammen. Dieses Spiel zwischen dem Aluminium und der fragmentierten, gefrorenen Keramik erzeugt eine verstörende Wirkung. Der Aluminiumguss erweitert die Blumenmotive auf der Vase.

Jun Kaneko

„Wir empfinden absolute Bewunderung für ihn. Er zeigt eine bewundernswerte Beharrlichkeit“, bemerkt der Ausstellungskurator. Er wurde in Japan geboren und verließ das Land im Alter von 20 Jahren, um in den Vereinigten Staaten zu leben, einem Land, das er nie verließ. Dieser Künstler kommt aus der Welt der Malerei und entdeckte den amerikanischen abstrakten Expressionismus, bevor er sich der Keramik zuwandte. „Als ich diese Werke entdeckte, war ich zu Tränen gerührt“, sagt die Kuratorin. Die Massivität der Vorschläge, die natürlichen Tropfen, die beim Kochen entstehen, die Kreisverkehre, Quadrate, Zickzacklinien und konzentrischen Linien, die er schafft, sind ein ganz eigenes Bildvokabular. Seine Stärke: nie von einer künstlerischen Bewegung absorbiert worden zu sein.

Maria Oriza Pérez

Ein Werk, das sowohl streng in seiner Gestaltung als auch lyrisch und extravagant mit seinen Schlagschatten, seinen Mustern und seiner Tiefenschärfe ist. Die Rose der Zeitenpräsentiert von der Künstlerin Maria Oriza Pérez, symbolisiert diese Dualität und bietet die Illusion einer botanischen Blüte.

Steven Heinemann

„Seine Werke haben mich sprachlos gemacht. Sie sind äußerst sensibel und raffiniert“, sagt der Kurator über Steven Heinemann. Dieser kanadische Künstler weigert sich, zwischen funktioneller und künstlerischer Keramik zu unterscheiden. Für ihn darf die Keramik ihre Geschichte nicht leugnen, sondern sich an ihre sehr utilitaristische Vergangenheit erinnern. Steve sagt, dass er bei seinen Kreationen besonderes Augenmerk auf den Kontrast zwischen der Weichheit des Äußeren und der Rauheit des Inneren legt.

Einige dieser Wunder werden in Limoges ausgestellt.

Toshio Matsui

Der in Japan sehr berühmte Designprofessor Toshio Matsui schuf auch Stücke speziell für die Ausstellung der Fondation Bernardaud. Er erforscht den Kontrast zwischen dem tonigen, sehr erdigen Teil seiner Arbeit, den er mit einer Lackschicht überzieht und so eine Art Spiegel bildet.

Diese Raffinesse steht im Widerspruch zur Rustikalität des Sockels und erinnert an die alte japanische Kunst, bei der nützliche Küchengegenstände mit Urushi-Lack überzogen wurden. Der Künstler, der diese Materialien verehrt, ließ sich von archäologischen Ausgrabungen inspirieren, um die lackierte Keramik, die vor mehr als 5.000 Jahren hergestellt wurde, besser neu zu interpretieren. Ein Eindruck von Majestät und Gelassenheit geht von ihm unbestreitbar aus.

Paula Bastiaansen

Seine eigens für die Ausstellung geschaffenen Porzellane, die Leichtigkeit und Stärke vereinen, sind bewundernswert.

Der niederländische Künstler verwendet die Knochenporzellan Ende des 18. Jahrhunderts in England entwickelt, bei dem, wie der Name schon sagt, Knochenpulver (aus Rinderhaxen) verwendet wird, um die Transparenz der Kreationen zu fördern. Mit diesen leichten, fast luftigen Entwürfen hat der Künstler weltweit unglaublich viele Auszeichnungen gewonnen. „Es ist eine verrückte Arbeit. Wir halten es für unerreichbar und letztlich bietet sie uns ein dynamisches Werk, das seinesgleichen sucht“, fasst die Ausstellungskuratorin zusammen.

David Regan

Er war äußerst erfolgreich, brachte aber nur sehr wenig hervor. In der Stiftung werden zwei figurative und vor allem politische Schöpfungen präsentiert. „Zu Beginn war er völlig in der Welt der Erinnerung an das funktionale Objekt versunken. Fast 20 Jahre lang produzierte er beispielsweise Besteck und wechselte dann zu einem rein skulpturalen Objekt ohne weiteren Bezug zu dieser Funktionalität. »

Die beiden figurativen Werke dieses amerikanischen Künstlers sind prächtig und können nur herausfordern. „Wenn man daran vorbeigeht, sieht man eine Fülle von Details, aber man versteht die Bedeutung der Lektüre nicht wirklich. Und wir gehen ein wenig per Rebus vor. Wir sehen Schornsteine, aus denen Rauch aufsteigt, Häusergruppen, eine amerikanische Stadt, Flugzeuge, Autos, Kühe, Wagen usw. » Überkonsum und Umweltthemen werden mit beeindruckender Liebe zum Detail dargestellt. Er verwendet eine bekannte Keramiktechnik, die des Sgraffito, bei der das Stück mit einem schwarzen Schlicker überzogen wird, bevor mit einem Stift die weißen Konturen der Zeichnung wieder zum Vorschein kommen. Man muss nur näher herangehen, um die Feinheit der Ausführung zu erkennen. „Diese Präzision macht einfach wahnsinnig“, schwärmt der Ausstellungskurator. Seine Arbeiten werden zum ersten Mal in Frankreich präsentiert.

Yu Tanaka

Im Vordergrund die Werke von Yu Tanaka, dahinter die des Keramikers Jean Girel

Laut dem Ausstellungskurator bietet dieser japanische Künstler Werke von „beispielloser Sensibilität und Kraft“. Seine illusionistischen Skulpturen erwecken den Eindruck eines geknoteten Textils, eine Anspielung auf die japanische Kultur, in der Geschenke sorgfältig verpackt werden. Die gelbe Farbe mit Nuancen in den Falten hat der Künstler ausführlich bearbeitet. Hinweis auf die gelbe Innenseite von Schalen in Japan und auf Stoffe, die früher mit Kurkuma gefärbt wurden. Sie verwendet besonders plastischen Ton, um nach so langer und filigraner Arbeit ein atemberaubendes Ergebnis zu erzielen. Der Besucher fragt sich, welches Objekt sich darin befindet. Die Illusion ist perfekt.

Und auch

Entdeckenswert sind auch die Stücke von Jean Girel, die aus Explosionen, Rissen und Aufständen der Materie bestehen. „In Frankreich ist er unser nationaler Emaillierer“, bemerkt der Kommissar. Wir werden uns auch auf die Kreationen von Yasuo Hayashi konzentrieren, einem der wichtigsten Vorreiter der Abstraktion in der zeitgenössischen japanischen Keramik, und auf die sehr farbenfrohe Keramik von Peter Pincus, der seine Arbeiten zum ersten Mal in Frankreich präsentiert.Die Keramik von Peter Pincus
Sehenswert sind auch die üppigen und kontrollierten Keramikskulpturen von Asuka Tsuboi.

Franck Lagier

Fotos ©Thomas Jouhannaud