Mit 41 Jahren ist Clara Iannotta eine der Hauptfiguren der zeitgenössischen Musik. Seine auf ungewöhnlichen Klangfarben basierenden Werke schaffen einen Raum der Originalität, der ebenso intim wie eindringlich ist. Nach ihrem Studium in Frankreich (Pariser Konservatorium, Ircam) und den USA (Harvard University) ließ sie sich in Berlin nieder und unterrichtet in Wien.
Sind Sie und Ihre Musik dasselbe?
Ja, sogar noch mehr. Es ist ein Spiegel dessen, was ich nicht sehe, ich entdecke mich selbst durch Geräusche. Es ist ein bisschen wie ein Tagebuch, es gibt Orte in mir, die Worte nicht erreichen können, die aber mit Tönen leichter zu erreichen sind.
Haben Sie nach Abschluss einer Arbeit das Gefühl, das Thema erschöpft zu haben?
Nein, eigentlich ist das Stück nie fertig. Seit drei, vier Jahren suche ich nicht mehr nach einem Ende für meine Stücke. Entweder ist die mir zur Verfügung stehende Zeit abgelaufen, oder ich möchte nicht mehr weitermachen, also höre ich auf. Ich habe also den Eindruck, immer das gleiche Stück zu schreiben oder immer wieder ein und dasselbe Stück zu schreiben. Es ist wirklich ein Foto einer Zeit.
Eine Momentaufnahme, die bleibt. Und Sie spielen das Spiel, denn Sie suchen nicht nach einer ausgewogenen, artikulierten, geplanten Form. Ihre Musik scheint sich auf paradoxe Weise zu entwickeln …
Absolut ! Manchmal fällt es mir schwer, den Geräuschen zu folgen, die ich auf Papier notiert habe. Vor ein oder zwei Jahren habe ich mit der Komponistin Chaya Czernowin darüber gesprochen, mit der ich an der Harvard University studiert habe und mit der ich jetzt befreundet bin. Ich erklärte ihm, dass ich die Geräusche gerne auf eine bestimmte Art und Weise bewegen würde, aber dass ich sehen konnte, dass sie sich anders entwickeln müssten. Dann sagte sie mir, ich solle sie als Kinder sehen. Wir lassen sie erscheinen, dann folgen wir ihnen, aber wir zwingen sie nicht.
Ich erschaffe zunächst eine abstrakte Welt, die Klang ist, und sobald ich ihr Realität gebe, muss ich ihr folgen. Auch wenn es mich an einen Ort führt, der sehr schwer zu akzeptieren ist. Das ist auch der Grund, warum ich mich dafür entschieden habe, meine Stücke stehen zu lassen. Wenn wir Schall als einen lebenden Organismus betrachten, können wir nicht wirklich entscheiden, wann er endet, wir müssen ihn einfach loslassen, wenn die Zeit gekommen ist. In dieser Situation glaube ich nicht an den Tod.
Aber es ist in Ihren Werken sehr präsent, insbesondere in denen, die sich auf die Poesie von Dorothy Molloy konzentrieren. Sie glauben nicht daran, weil die Komposition einen die Unendlichkeit berühren lässt oder weil sie einfach ein Konzept darstellt, das Sie sich nicht vorstellen können?
Nein, nein, der Tod ist sehr konkret. Außerdem hatte ich im Jahr 2020 Krebs und seitdem ist sie immer in meiner Nähe. Letztes Jahr habe ich auch meine Mutter verloren … Meine Stücke sind nicht dem Tod gewidmet, aber sie denken darüber nach. Ich glaube nicht an den Tod in der Musik, das heißt an den Weg, damit aufzuhören, ich sehe ihn nicht organisch in meinen Stücken. Wie stoppen wir? Sanft, durch ein Diminuendo oder im Gegenteil durch einen Akzent?
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