Das Beste von Lou Reed, dem mürrischsten aller romantischen Sänger

Mit der Veröffentlichung von „Why Don’t You Smile Now: Lou Reed at Pickwick Records 1964-65“, einer Zusammenstellung von Werken aus der Zeit vor Velvet Underground, finden Sie hier unsere Auswahl der besten Solotitel der meisten New Yorker Rocker.

„Perfekter Tag“ (1972)

Zwei dreiteilige Takte auf dem Klavier, unterbrochen von dezenten Trommeln: Noch bevor die elegischen Violinen auftauchen, tauchen tausend Bilder auf, die miteinander verbunden sind Perfekter Tag, vom Kino immer wieder genutzt. Einige dachten, sie hätten eine Metapher für Heroinsucht entdeckt – was der Autor inzwischen dementiert. Es bleibt ein Stück, zu dem wir wegen der meisterhaften Arrangements von David Bowie und Mick Ronson immer wieder zurückkommen. Aber vor allem wegen der Melancholie, die Lou Reeds gebrochene Stimme ausstrahlt: „Dank dir habe ich mich selbst vergessen / ich dachte, ich wäre jemand anderes / jemand Gutes. » — Léa Bucci

„Walk on the Wild Side“ (1972)

Als ich jünger war, hörte ich beim Refrain auf: Wie viele hörte ich den romantischen Aufruf, die Regeln zu brechen, mehr als die umherschweifende Aufforderung, summte der „zu tun zu tun“ ohne die subversive Tragweite des Liedes zu ermessen. Der neue Lou-Glamour der Siebziger, der damals von der zwielichtigen Fauna von Andy Warhols Factory heimgesucht wurde, summt die Klage von Prostituierten, Junkies und Transsexuellen. Der Ton, unterstützt vom jazzigen Saxofon von Ronnie Ross, ist verspielt, die Geschichte tödlich. Mit einem Schlag drängt der Rabe sein locker gesprochenes Wort, seine dunkle Poesie und seine perverse Zartheit auf. — Anne Berthod

„Berlin“ (1973)

Mit einem blassen Blues-Piano, das aus einem Trubel schrecklich verzerrter Stimmen hervortritt, sprengt Produzent Bob Ezrin die Glamour-Fassade des Rockers und enthüllt den Kabarett-Nihilisten. Weil Berlinein Requiem eines Junkie-Pärchens, das ein als dekadente Oper konzipiertes gleichnamiges Album eröffnet, ist nur der Auftakt zu einer tragischen Farce, mit der Reed seine eigenen Dämonen befreien will. Obwohl die Jukebox aus dem Ruder läuft, rollt er sich melancholisch in den Abgrund seiner verlorenen (künstlichen, ehelichen) Paradiese zusammen und ist sich bewusst, dass das Schlimmste noch bevorsteht. — AB

„Men of Good Fortune“ (1973)

Der dritte Track von BerlinEin Album, das bei seiner Veröffentlichung wegen seines düsteren Charakters verunglimpft wurde, ist nicht weniger so. Auf das leichte Schimmern des Klaviers folgen schwere Bassakkorde und überwältigende Trommeln in überwältigender Betonung. Lou Reed stellt wohlgeborene Männer und diejenigen, die nichts haben, gegenüber und bedient sich dabei mehr Klischees als der Bourdieusschen Analyse. Zumal er mit desillusioniertem Zynismus abschließt: „Was mich betrifft, ist es mir eigentlich egal. » Jede Ähnlichkeit mit bestimmten aktuellen Richtlinien wäre reiner Zufall … — LB

„Bösartig“ (1973)

Über den Einfluss von Andy Warhol auf seine Kunst erzählte Lou Reed 1989 diese Anekdote: „Warum schreibst du nicht ein Lied namens Bösartig ? », hätte ihn eines Tages gefragt der Papst der Pop-Art. Worauf Reed antwortete: „Nun, Andy, was für eine Bösartigkeit?“ – Oh, weißt du, bösartig, als ob ich dich mit einer Blume schlagen würde. » Scherz oder Wahrheit? Bei Lou Reed ist es schwer zu wissen. Aber die sarkastische Poesie von Bösartig bleibt nicht weniger real, wie das giftige Riff von Mick Ronson. Ein ewiger Hit, der zum kolossalen Erfolg von beigetragen hat Transformator (1973). – Jean-Baptiste Roch

„Sally Can’t Dance“ (1974)

Glaubt man Lou Reed, stammt der Titelsong seines ersten in den USA aufgenommenen Soloalbums aus einer Nachricht, die sich in der Lower East Side ereignete. Die betreffende Sally kann nicht mehr in New Yorker Clubs tanzen, weil ihr lebloser und misshandelter Körper im Kofferraum eines Autos gefunden wurde. Eine andere Version sieht darin eine Anspielung auf Edie Sedgwick, Andy Warhols Muse, die an einer Überdosis starb. Auf jeden Fall gelingt Lou Reed das Kunststück, blecherne Funky-Soul-Groove-Musik mit schmutzigen Themen zu verbinden, die nach Leid und sogar Ekel riechen, womit der Künstler diese Platte später bezeichnet hat „ein Haufen Scheiße“. Schwer. — Frédéric Péguillan

„Coney Island Baby“ (1976)

Sweet Reed … in seiner zartesten und aufrichtigsten Form seither Perfekter Tag oder auch Hellblaue Augen. Nach der Rache, Post-Berlin, hart und einigend (erfolgreich) Rock’n’Roll-Tier und die Folter, die dadurch verursacht wird Metal-Maschinenmusik, Lou, verliebt in Rachel, seine Transpartnerin, liefert sein zärtlichstes und bewegendstes Album. Mit, in der Apotheose, diesem zentralen Bekenntnislied über seinen jugendlichen, nicht wirklich sportlichen Wunsch, in die Fußballmannschaft einzutreten, um dem Trainer zu gefallen … Die Herrlichkeit der Liebe intoniert einen Refrain über Instrumentierung und Arrangements von großer Finesse, und das Lied endet mit einer geflüsterten Widmung an Lou und Rachel. Alles wurde jedem gesagt, der wollte, und sich dabei einlullen und ihm zuhören lassen. —Hugo Cassavetti

„Sweet Jane“ (live) (1978)

Lou Reed, still und distanziert, enttäuschte mehr als einen im Konzert? Wir empfehlen daher unter den vielen Iterationen von Süße Janedas von Bottom Line in New York im Jahr 1978, vier Jahre nach seiner Neuerfindung als schwerer Feuerwehrmann. Ein zehnminütiges, spannendes Massakerspiel zu den legendären Akkorden des Velvetian-Klassikers. Aufgerichtet wie ein Kuckuck schießt Lou, sobald er sie sieht. Jeder macht das durch, vomjenigen, der sein Mikrofon zu hoch installiert hat, über Barbra Streisand oder Patti Smith, auch die engagierten Künstler („Gib mir ein Problem, ich gebe dir ein Taschentuch, und du kannst mir damit den Arsch abwischen“). Ganz zu schweigen von der Öffentlichkeit selbst, die nur das bekommt, was sie verdient (Warten, Beleidigungen usw.). Vernichtend, urkomisch. — HC

„Dreck“ (1978)

Um es (sehr) schnell zu machen: Im Rock’n’Roll wurde zunächst über Sex, Rebellion, dann über Drogen, die Liebe zu allen und schließlich über Hass gesungen. Da kommt Lou. Vom Boden aus greift er herum, was herumliegt, Spritzen, Kondome, Müll, und bastelt an seiner bissigen Poesie. Grob, böse, schlecht. Als er seinem ehemaligen Manager Dennis Katz in die Halsschlagader beißen will, beschimpft er ihn zunächst als Schwein und vergleicht ihn dann mit dem typischen Kapitalisten. „Wer würde Scheiße essen und sagen, dass es gut schmeckt? / Wenn Geld da wäre?“. Die englischen Punks werden nichts erfinden. Logischerweise trägt das Lied den Titel Schmutz („Dreck“). —Louis-Julien Nicolaou

„Street Hassle“ (1978)

An Coney Island Baby, Lou Reed sang von seiner Liebe zu Rachel Humphreys. Drei Jahre später begrub er sie – mit Stil. Elf Minuten, drei Sätze, Celli und ein unwahrscheinlicher gesprochener Monolog von Bruce Springsteen (der aufgenommen hat). Dunkelheit am Rande der Stadt eine Etage tiefer): Hier scheint der Sänger all seinen literarischen und musikalischen Ehrgeiz hineingesteckt zu haben. „Landstreicher wie wir sind zum Bezahlen geboren“er lässt den Chef sagen, in einer der schönsten Hymnen an das Verlieren. –Thomas Richet

„Schmutziger Boulevard.“ (1989)

Es dauerte mehr als zwanzig Jahre Karriere, bis der New Yorker aller Sänger endlich einem Album den Namen seiner Stadt gab. Deshalb findet Lou Reed nach einigen Jahren des Wanderns Inspiration zu Hause – wie die meisten Künstler seiner Generation waren die 80er Jahre nicht gerade freundlich zu ihm. Auf eine Reihe von Akkorden, die es wert sind Süße Jane, Hier singt er von der Grausamkeit des Big Apple, dem Kontrast zwischen dem Leben von Pedro – wo „niemand davon träumt, Arzt, Anwalt oder so etwas zu sein“ – und den Limousinen, die vor dem Lincoln Center halten. „Gib mir deine Hungrigen, deine Müden, deine Armen, ich werde auf sie pissen“: Liebe ist bei Lou immer dumm, auch wenn er von der Metropole seines Herzens spricht. — TR

„Satellit der Liebe“ (1995)

Wir kennen die süße Version von Transformatormit diesem Klavier im Vordergrund und dem hohen Hintergrundgesang von David Bowie, dem Chefarchitekten. Wir haben viel weniger von dem gehört, das 1995 in einer Zusammenstellung von Demos veröffentlicht wurde und ursprünglich für die Veröffentlichung vorgesehen war Geladen, viertes Album von Velvet Underground, bevor es abgelehnt wurde. Viel rauer und elektrischer, ohne Chöre oder Klavier, offenbart es einen anderen Charme, skelettartig und dürr, rockiger und nah am Sound von Velvet, wo Reed die Eifersucht, die an ihm nagt, auf großartige Weise büßt. – J.-BR

„Sex mit deinen Eltern (Motherfucker) Teil II“ (1996)

Es ist schwer, die eigene Legende zu überleben, besonders wenn sie auf Selbstzerstörung basiert. Mit 54 Jahren würde es Lou Reed schwerfallen, uns zu sagen, was er in seine Adern oder seinen Arsch steckt. Also verdeutlicht er den Punkt woanders, schaut ein wenig unter die Schürze der Neokonservativen und findet nichts Schönes. Das Ergebnis ist ein empörender Text – durchschnittlich eine Beleidigung pro Vers –, der die moralischen Väter verunglimpft, die schnell das Rauchen an öffentlichen Orten verbieten oder im Fernsehen eine Brustwarze zeigen, aber mit der Hartnäckigkeit von Idioten praktizieren. Inzest, Klasse oder Familie. Die Pointe fasst die Rasse in einem Wort zusammen: „Motherfucker“. — LJ.N.

„Ekstase“ (2000)

Von Süße Jane hat Schmutziger Boulevard. durchgehen BösartigLou Reed hat mehr als ein Killerriff geschaffen. Zu Beginn des neuen Jahrtausends, als nur seine Gitarre für seine Augen (und seine Ohren) interessant erschien, erfand er eine neue, sicherlich weniger aggressiv, aber nicht weniger lecker. Zwei auf einem dezenten Bass-Percussion-Rhythmus platzierte Akkorde, die in regelmäßigen Abständen Tastaturebenen zieren. Und über diesem Refrain erklingt die tiefe, unnachahmliche Stimme des New Yorkers, der fast davor zittert, seinen Obsessionen Ausdruck zu verleihen. Verstörend. — F. Pé.

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