1807 an der Kaiserlichen Musikakademie gegründet, Die VestalinDas der Kaiserin Joséphine, der Beschützerin des Komponisten, gewidmete Werk hatte bis 1854 mehr als zweihundert Aufführungen, bevor es von unserer ersten nationalen Bühne verschwand, mit Ausnahme einer einzigen Aufführung im Jahr 1909, die von den Kräften der Mailänder Scala in italienischer Sprache aufgeführt wurde. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts führte Rosa Ponselle es in italienischer Sprache an der Met auf, doch es waren vor allem die größeren Aufführungen von 1954 mit Maria Callas, die den Grundstein für die allmähliche Rückkehr des Werks auf internationale Bühnen in italienischer Sprache legten zunächst, dann nach und nach in der französischen Originalfassung. In Paris, Die Vestalin wurde 2013 im Théâtre des Champs-Élysées in einer Bühnenfassung mit Ermonela Jaho aufgeführt, dann 2022 in einer Konzertfassung mit Marina Rebeka unter der Leitung des Palazetto Bru Zane, das anschließend eine kommerzielle Aufnahme veröffentlichte. Es war an der Zeit, dass das Werk zu der Institution zurückkehrte, in der es geboren wurde, oder zumindest zu seinem aktuellen Avatar. Aus diesem Anlass rief das OnP an Lydia Steier die bereits im Jahr 2022 eine Produktion von verpflichtet hat Salome gelinde gesagt umstritten. Diesmal bietet die amerikanische Regisseurin eine dramatisch stimmige Show im Einklang mit der Zeit, in der wir ihre Vorliebe für gewalttätige Bilder wiederfinden, wie diese Parade von Festwagen, auf denen halbnackte blutige Körper liegen, die Szenen der Folter, die zugefügten Demütigungen auf Frauen, wie die Spucke, mit der die Vestalinnen Julia bedecken, und das Blut, das in der ersten Szene zu sehen ist, als Cinna und Licinius sich gegenseitig die Hände schneiden, während sie ihre Freundschaftsschwüre austauschen. Es ist jedoch ein Plädoyer gegen Krieg und religiösen Fanatismus, das Steier anbieten wollte und sich dabei von Margareth Atwoods Roman inspirieren ließ Die Scharlachrote Magd dessen Handlung in einem dystopischen Universum spielt, das er – meist glücklicherweise – mit dem Universum in Einklang zu bringen versucht Die Vestalin deren Charaktere Opfer eines religiösen Totalitarismus sind, der ihre Existenz bedingt. Aus diesem Grund sehen wir in der ersten Szene, in der die zum Tode Verurteilten an den Füßen gehängt werden, den vom Krieg zerstörten Licinius, wie er eine Flasche Alkohol leert und auf dem Boden sitzt. Die Hauptdekoration ist eine bemerkenswerte Nachbildung von Etienne Pluss des Großen Amphitheaters der Sorbonne, Symbol für Kultur und Gelehrsamkeit, in einem Zustand des Verfalls, in dessen Mitte ein Autodafé brennt, das durch in regelmäßigen Abständen geworfene Bücher angeheizt wird.
Starke Bilder, die beim Betrachter einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Schade, dass der Auftritt von Vesta im letzten Akt, wie eine goldene und kitschige Jungfrauenstatue, die auf einer Trage über die Bühne getragen wird, ans Lächerliche grenzt. Es ist auch eine Schande, dass Steier es für angebracht hielt, Cinna zur treuen Freundin von Licinius zu machen, einem Verräter, der sich nach der Flucht des Großpapstes umdreht, um sich zum Kaiser krönen zu lassen, was der Intrige nichts verleiht. Abschließend fragen wir uns, für wen diese Maschinengewehrschüsse gedacht sind, die wir hinter der Bühne während der Ballettmusik hören, die das Werk abschließt. Ist es die Große Vestalin oder der Pontifex, die abgeschossen werden, oder das Liebespaar, das schließlich abgeschossen wird? lieto gut würde abgelehnt werden? Seltsam. Erwähnen wir auch die klugen Erkenntnisse von Valerio Tiberi und die diskreten, aber relevanten Videos vonEtienne Guiolwie die, die Militärparaden zeigt, wie wir sie in zeitgenössischen Diktaturen sehen.
Die Distribution weist keine Schwachstellen auf. Alle Protagonisten erweisen sich als hervorragende Schauspieler und verfügen über eine korrekte bis sehr gute französische Diktion. Mitglied der Operntruppe OnP, Florent Mbia ist ein nüchterner und effizienter Anführer der Aruspices mit einem sonoren und homogenen Kupferton. Jean Teigen hat eine dunkle Stimme und ein tiefes Bassregister, die es ihm ermöglichen, mit der nötigen Autorität den Papst zu interpretieren, dessen grausamen und stumpfsinnigen Charakter er hervorragend hervorhebt. Die Große Vestalin ist eine Art weibliches Gegenstück zum Papst, zu dem sie offenbar eine sadomasochistisch geprägte Beziehung hat. Mit einer klaren und gut projizierten Stimme, Eve-Maud Hubeaux stellt diese Figur mit einer Art böser Präsenz auf der Bühne und großer Strenge im Tonfall der Stimme dar, insbesondere in der Arie „Die Liebe ist ein barbarisches Monster“. Eine schöne Inkarnation, die mit etwas mehr Dunkelheit im Bassregister noch überzeugender gewesen wäre. Julien Behr sieht am Set als peroxidierter junger Offizier großartig aus. Zumindest bis zu seinem endgültigen Sinneswandel verkörpert er leidenschaftlich den treuen und hingebungsvollen Begleiter von Licinius. Diese eher zentrale Figur wird entgegen Spontinis Willen manchmal einem Bariton anvertraut. Hier verschmilzt die klare Stimme des französischen Tenors ideal mit der dunkleren Stimme des amerikanischen Tenors und ihr gemeinsamer Stimmumfang unterstreicht die brüderliche Bindung, die sie verbindet. Seine beiden Melodien sind geschmackvoll vorgetragen. Bei Licinius, Michael Spyres schafft eine erstaunliche Komposition, Soldat traumatisiert durch den Krieg, unsterblich in Julia verliebt, bis er sein Leben für sie opfert, alle Affekte der von Étienne de Jouy erdachten und von Lydia Staier überarbeiteten Figur werden mit Überzeugung und einem gesunden und gesunden Menschenbild angenommen solide Stimme, die auf die Absichten des Dolmetschers reagiert. Die Diktion ist hervorragend, der Stil tadellos. Im dritten Akt ist ihre Arie „Julia wird sterben“ besonders ergreifend. Kurzfristiger Ersatz für die angeschlagene Elza van den Heever, Elodie Hacheder kürzlich in Saint-Étienne triumphierte Zamoras TributIhr gelingt die überwältigende Rolle der Julia gut. Ihr klarer und jugendlicher Ton, gekrönt von einem leuchtenden Diskant, wirkt Wunder in ihrer Arie „Licinius, ich werde dich also wiedersehen“, die sie mit Inbrunst singt. Mit ihrer Interpretation von „Du, die ich auf der Erde lasse“ gelingt es der Sopranistin, das Publikum im dritten Akt zu verärgern. Andererseits treibt sie ihre große Szene der beiden „Du, die ich mit Angst anflehe“, der sie sich mutig nähert, an die Grenzen ihrer Möglichkeiten und lässt uns, wenn sie brillant herauskommt, erkennen, dass wir in dieser Kreuzigung warten Stück, mehr Mut und stimmliche Breite. Im Schlussgruß erhält sie einen wohlverdienten Erfolg. Hervorzuheben sind auch die bemerkenswerten Interventionen der Chöre, die in diesem Werk so wichtig sind und von Ching-Lien Wu bewundernswert vorbereitet wurden.
Am Schreibtisch, Bertrand de Billy bietet eine nuancierte und theatralische Regie mit wachen Tempi, die das Werk in Richtung einer romantischen Oper lenkt, eine kluge Wahl, wenn man bedenkt, dass es sich bei dieser Partitur um die Partitur handelt, für die der Librettist das Libretto signieren wird Guillaume Tellist ein Vorgeschmack auf die große französische Oper.
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