Wahnsinn für zwei… Filme, die man diese Woche sehen kann oder nicht

Wenn der Herbst kommt – Zu haben

Dramatische Komödie von François Ozon, 1h42

Wenn der Herbst kommt zeigt zwei Frauen und zwei Darsteller, die mit ihren Erfahrungen, ihren Falten, ihren alternden Körpern und ihrer Desillusionierung vom Leben ankommen. Michelle und Marie-Claude sind zwei langjährige Freundinnen, die im Ruhestand in einem Dorf in Burgund mit einem angenehmen Alltag leben. Die erste wird von Hélène Vincent gespielt, wunderbar als Oma Kuchen, kokett und adrett in ihrer rosa Daunenjacke, im Handumdrehen besorgt und verstörend. Die zweite wird von Josiane Balasko gespielt, makellos als angeschlagene, rauchende Freundin, die ihren Kadaver wie einen Ball hinter sich herzieht. Ihre Nachkommen werden ihre Vergangenheit an die Oberfläche bringen. Michelle hat eine Tochter, Valérie, die in Paris lebt. Sie möchte ihn unbedingt besuchen, vor allem um sich an ihrem Enkel Lucas zu erfreuen, den sie über alles liebt. Als das Wiedersehen endlich kommt, ist die Atmosphäre nicht festlich. Valérie (Ludivine Sagnier) ist mitten in der Scheidung und noch abscheulicher als sonst. Ein Mädchen, das es zu schlagen gilt, gewiss. Um zu töten, wahrscheinlich nicht. Sie ist die Einzige, die während des Essens die giftigen Pilze isst. Sie kommt mit einer Magenspülung davon und kehrt mit Verdacht nach Paris zurück. Altersbedingter Schwindel oder Vergiftungsversuch? Marie-Claude hat einen Sohn, Vincent. Er verlässt das Gefängnis und verspricht, dem „Unsinn“ ein Ende zu setzen. Um ihm einen Gefallen zu tun, lässt Michelle ihn Gelegenheitsarbeiten erledigen. Eine große Welle der Solidarität zwischen den Generationen. Wir werden nicht mehr sagen, auf die Gefahr hin, dass François Ozons Arbeit, Ellipsen und Überraschungen zu schaffen, und die Freude des Zuschauers, sich mitreißen zu lassen, zunichte gemacht werden. Wenn der Herbst kommt klingt wie der Titel eines Aznavour-Liedes. Es ist ein Lied von François Valéry, das wir in einer Barszene hören: Lasst uns uns lebendig lieben. An dieser Wahl ist nichts Unschuldiges. Es ist vielleicht sogar schön ironisch und amoralisch. ES

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Alles, was wir uns als Licht vorstellen – Zu haben

Drama von Payal Kapadia, 1h58

Mumbai (Bombay) brüllt unter den Regenvorhängen. Im Krankenhaus ist es eine Blutung. Die Patienten kommen in unaufhörlichen Wellen. Krankenschwestern tun ihr Möglichstes, um Erste Hilfe zu leisten. Unter ihnen Prabha, eine der drei Heldinnen von Alles, was wir uns als Licht vorstellender erste Spielfilm des indischen Regisseurs Payal Kapadia, der bei den letzten Filmfestspielen von Cannes den Hauptpreis gewann. Der Regisseur untersucht behutsam die sich überschneidenden Schicksale dreier Hindu-Frauen im heutigen Indien. Prabha ist daher eine diskrete Krankenschwester in ihren Dreißigern, die ihren Patienten sehr ergeben ist. Sie wohnt in einer Wohngemeinschaft mit der jungen Anu, die ebenfalls Krankenschwester ist, aber mit 23 Jahren eine naive Unbekümmertheit an den Tag legt und sich selbst für modern und befreit hält. Während Prabha eine Zwangsheirat mit einem Mann akzeptierte, der sie schnell verließ, um in Deutschland zu arbeiten, baute Anu eine leidenschaftliche Liebesbeziehung mit einem charmanten jungen Mann auf. Eines Tages erhält Prabha ein mysteriöses Paket, das einen roten Schnellkochtopf „made in Germany“ enthält. Plötzlich taucht die Erinnerung an ihren Geister-Ehemann wieder auf. Die Heldin wird sich ihrer Einsamkeit bewusst. Allmählich lernen sich die beiden Frauen trotz ihres Altersunterschieds kennen. Ihre behinderten Lieben bringen sie einander näher. Im Krankenhaus gesellt sich bald ein dritter Dieb zu dem Duo. Parvaty ist Witwe. Sie ist älter und sowohl weiser als auch rebellischer als die anderen beiden. Doch Immobilienentwickler, die ihr Gebäude dem Erdboden gleichmachen wollen, drohen ihr mit der Räumung. Die Alchemie funktioniert in diesem Trio aus drei verschiedenen Generationen. Wir fühlen uns schnell an das vereitelte Schicksal dieser mit Einfühlungsvermögen gefilmten Figuren gefesselt. Dieses fesselnde Werk, das an eine Fabel grenzt und feministisch ist, ohne es zu beanspruchen, untersucht die Herzen von Frauen und beleuchtet auf schöne Weise ihren Wunsch, dem Diktat eines Patriarchats zu entkommen, das immer noch fest in der indischen Gesellschaft verankert ist. OD

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Der Outrun– Zu haben

Drama von Nora Fingsheidt, 1h58

Es scheint. Dort verwandeln sich Ertrunkene in Robben. Das behauptet zumindest eine schottische Legende. Andere Träume kommen Rona durch den Kopf. Mit 30 flüchtete diese junge Dame auf die Orkney-Inseln, die Inseln, auf denen sie aufwuchs. Sie flieht aus London und einer starken Alkoholsucht. Es war Zeit. Es war das, oder sterben. Sie zögerte nicht. Der Outrun der deutschen Regisseurin Nora Fing Scheidt ist wie ein Puzzle aufgebaut. Erinnerungen an die Stadt kommen in Schüben wieder hoch, wie Schluckauf, unterbrochen von einem Off-Kommentar. Es gab die betrunkenen Abende, diese dummen Lacher, diese Kneipen, in denen die Touren schlecht endeten. Sie wachte in einer Art Koma auf und erbrach sich in der Toilette. Ihr Freund konnte es nicht mehr ertragen. Sie schlug gegen die Fenster. Es ging darum, in die Bewusstlosigkeit einzutauchen. Da waren also die Sitzungen mit den Anonymen Alkoholikern – und diese von den Wellen geschlagene Rückkehr in sein Heimatland.
Die Erde vibriert. Der Wind ruht nie. Bei einer Trockenkost kümmert sich Rona um die Schafe und wirft die totgeborenen Lämmer in den Müll. Ein Sturm isoliert sie vom Rest der Welt. Der bipolare Vater lebt in einem Wohnwagen. Seine Mutter musste ihn verlassen und vertiefte sich in den Glauben. Die Heldin fragt sich, von wem sie geerbt hat. Sie ist nicht mehr das Partygirl, das auf den Gehwegen torkelte. Im Overall versucht sie, den Schaden zu reparieren. Was wäre, wenn Trunkenheit der Vergangenheit angehören würde? Intelligenz und Poesie gehen hier Hand in Hand. Diese Suchtgeschichte, inspiriert von dem Buch von Amy Liptrot, die am Drehbuch beteiligt war, vermeidet die Fallstricke, erspart das Jammern und die Reue. Man muss sagen, dass die Leistung von Saoirse Ronan jedes Lob verdient. DE

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Drohne – Zu haben

Thriller von Simon Bouisson, 1h50

Der Betrachter betritt den Film wie durch einen Einbruch. In einem verführerischen Gleiten bewegt sich der Blick der Kamera in Richtung des fünfzehnten Stockwerks eines Randgebäudes. Wir können deutlich das faszinierende Dröhnen dieser Drohne wahrnehmen, die sich vor den Erkerfenstern der Wohnung der jungen Heldin platziert. Die Folge ist orwellsch. Wer kann es ohne Lärm beobachten? Und warum? Die Protagonisten schauen einander an. Zwischen diesen beiden beginnt eine einzigartige Beziehung, die an Verfolgung und Kontrolle grenzt. Ist es echt? Émilie (Marion Barbeau) zweifelt zunächst daran, was mit ihr passiert. Tagsüber muss dieser introvertierte Architekturstudent einem anspruchsvollen Meister (Cédric Khan) Sanierungspläne für denkmalgeschützte Gebäude vorlegen. Und sie wird von einem schamlosen Kameraden angegriffen. Nachts gibt die einsame und mittellose junge Frau im Internet an, um ihr Studium zu finanzieren. Je mehr sie versucht, ihrem mysteriösen Luftpirscher zu entkommen, desto mehr greift dieses Objekt in ihre Existenz ein. Der paranoide Thriller, der den 1970er und 1980er Jahren würdig ist, beginnt. Bei seinem ersten Film denkt Simon Bouisson groß. Nachdem ich Serien produziert habe, Stengeloder 36 15 Monica Der 39-jährige Regisseur investiert in den angstauslösenden Techno-Thriller mit einem digitalen, anspruchsvollen, cleveren und sogar ziemlich beängstigenden „Krimi“. OD

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Joker: Wahnsinn für zwei– Zu vermeiden

Aktion von Todd Phillips, 2h19

Im Jahr 2019 betrachtet sich Todd Philipps als ernsthaften Autor, indem er einen Clown filmt. Bisher harmloser Hollywood-Entertainer, Regisseur von Sehr schlechter Trip 1, 2 und 3 Philipps versucht es mit einem Pokerspiel Joker .Und es funktioniert. Der Film gewann den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig, bevor er an den internationalen Kinokassen mehr als eine Milliarde US-Dollar einspielte. Joaquin Phoenix nimmt 23 kg ab und gewinnt einen Oscar für seine Darstellung von Arthur Fleck, einem Außenseiter, der allein mit seiner Mutter in einer sehr traurigen Wohnung lebt, einem gescheiterten Stand-up-Comedian in einem Gotham, das stark an das kriminelle New York der 1970er Jahre erinnert, und 1980er Jahre. „Joker“ ist eine clevere Nachbildung von Scorsese- und Lumet-Filmen aus dieser Zeit (Taxi Driver, Der Walzer der Puppen, A Dog’s Afternoon, Network ). „Joker“, ein allumfassendes und vereinfachtes Gleichnis, verführt mit seiner nihilistischen Dunkelheit die meisten Menschen. Wir wünschen den Exegeten, die versucht sind, mitzulesen, Mut Joker: Wahnsinn für zwei, Anfang September im Wettbewerb in Venedig vorgestellt, alles andere als eine Wiederholung des ersten Teils. Arthur Fleck schmachtet im Gefängnis und wartet auf seinen Prozess. Da er von Medikamenten betäubt ist, führt er Gespräche mit seinem Anwalt und einem Psychiater. Der musikbegeisterte Gefängniswärter Sullivan (Brendan Gleeson) meldet den vorbildlichen Häftling für den Chor an. Es ist Liebe auf den ersten Blick für Harley Quinn, gespielt von Lady Gaga, ohne ihr schwarz-rotes Superschurken-Harlekin-Kostüm – ohne die von Margot Robbie vorgeschlagene Punk-Version zu bereuen. Joker, rote Nase und blaue Blume, pendelt zwischen Gericht und Gefängnis und überall ist das gleiche Lied: Der Angeklagte spielt unter den Augen der Kameras theatralisch, sein Verehrerkreis wächst. Als Zwischenspiele dienen Musiknummern. Joaquin Phoenix und Lady Gaga singen bewusst annähernd. Es sieht aus wie die Gefängnis- und Blues-Version von La-La-Land,abzüglich der Kompositionen von Justin Hurwitz und der Dynamik von Damien Chazelle. Übrigens ist die Vision einer psychischen Erkrankung nicht karikierbar. ES

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