Das Kaufmannshaus Amsterdam: Amanda Means (1945, NY) (Bilder 1-3)
Amanda Means ist bekannt für ihre fühlbar materiellen Schwarz-Weiß-Gelatinesilberdrucke. Means’ virtuose Lichtprojektionen ohne Kamera – indem sie Licht physisch auf das sich entwickelnde Papier projiziert – führen zu ihrer eindrucksvollen und meisterhaften Drucktechnik. Das Ergebnis ist eine leuchtende Präsentation alltäglicher Gegenstände wie Glühbirnen und Wassergläser in einer unerwarteten seriellen Nahaufnahme. Means’ Werke wurden 2017 für ihre Beiträge zur zeitgenössischen Fotografie mit einem Guggenheim Fellow ausgezeichnet und sind in zahlreichen Museumssammlungen vertreten, darunter im Whitney Museum, im San Francisco Museum of Modern Art, im Cleveland Museum of Art und im Los Angeles County Museum of Art. Nachdem sie 35 Jahre in New York gelebt hatte, zog sie 2007 nach Beacon, NY.
Das Kaufmannshaus
1016 BV Amsterdam
www.merchanthouse.nl
DAS IST KEINE FANTASIE Melbourne, Victoria, Australien: Ellen Dahl (Norwegen/Australien) (Bilder 4-6)
Die künstlerische Praxis vonEllen Dahl ist weitgehend in der Arbeit mit oder um Landschaften verwurzelt. Das Konzept der inhärenten Bedeutung der Fotografie für unsere Wahrnehmung und Erfahrung der Welt um uns herum ist die Grundlage ihrer Projekte. Sie erforscht kontinuierlich den erweiterten Anwendungsbereich des fotografischen Mediums und sein Potenzial, neue kritische, poetische und ästhetische Wege zur Zusammenstellung ökologischer Bedeutung und geologischer Vorstellungskraft zu finden. Sie interessiert sich auch für die Beziehung des Mediums zur Zeit und erforscht diese Arbeit häufig durch Fotografie, Video und Standbild, Ton und Installation.
Dahl ist immer wieder von dem Konzept der Inseln und Orte am Rande der Welt angezogen und kehrt oft an die nördlichen/südlichen Randgebiete Nordnorwegens und Tasmaniens zurück. Sie versucht, das gesteigerte Gefühl von Grenznähe und Begrenzung einzufangen, das an diesen Orten oft zu spüren ist. Ihre Arbeit ist konzeptionell untermauert von der Angst vor den anthropogenen Bedingungen und der daraus resultierenden Mehrdeutigkeit der sich überschneidenden menschlichen und geologischen Zeitskalen.
DAS IST KEINE FANTASIE
Melbourne, Victoria, Australien
www.thisisnofantasy.com
THK Gallery Cape Town: Barry Salzman, Nicola Brandt, Trevor Stuurman
Barry Salzman (Simbabwe/USA/Südafrika) 1963 (Bilder 7-9)
Barry Salzman wurde in Simbabwe geboren und in Südafrika erzogen. Mit 21 Jahren wanderte er in die USA aus. Nach einer anfänglichen kommerziellen Karriere begann er, hauptberuflich als Künstler zu arbeiten. Sein Interesse an der Fotografie wurde geweckt, als er als Teenager rassisch getrennte Gebiete unter der Apartheid dokumentieren wollte, um die Rassenungleichheit zu verstehen, die ihn umgab. Heute beschäftigt er sich in seinen Arbeiten weiterhin mit schwierigen sozialen, politischen und wirtschaftlichen Themen, darunter der wachsenden allgemeinen Ermüdung durch die Holocaust-Erzählung, der Erosion des amerikanischen Traums und der Mitschuld der Gesellschaft an der Wiederholung moderner Völkermorde.
Seit 2014 arbeitet Salzman an Projekten, die sich mit Trauma und Erinnerung beschäftigen, oft im Zusammenhang mit der Wiederholung von Völkermorden. Er interessiert sich besonders für unsere Rolle als öffentliche Zeugen – „was wir sehen, wenn wir hinschauen“. Seine Arbeiten zeigen oft abstrakte Landschaften, die an Orten von Völkermorden entstanden sind, die er wörtlich und metaphorisch darstellt, um über Trauma und Heilung nachzudenken. Obwohl die Bilder an bestimmten Orten aufgenommen wurden, an denen Völkermord stattgefunden hat, erinnert uns seine Verwendung der visuellen Werkzeuge der Abstraktion daran, dass „dieser Ort“ „jeder Ort“ sein kann.
Nicola Brandt (Namibia/Deutschland/Südafrika) 1983 (Bilder 10-12)
Nicola Brandt ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die für ihre großformatigen Fotografien, Videoarbeiten und Installationen bekannt ist, die sich mit Themen wie Macht, Erinnerung, Verlangen und Position befassen. Als Teil einer aufstrebenden Künstlergeneration in ihrem Heimatland ist Brandt für ihren frischen und kritischen Umgang mit Ort und Landschaft sowie ihre dekoloniale Auseinandersetzung mit der deutschen Kolonialgeschichte und Gedenkarbeit bekannt geworden. In ihren Arbeiten steht die Idee im Vordergrund, dass Ort und Identität wechselseitig von ökologischen, sozialen und politischen Faktoren bestimmt und beeinflusst werden. Sie interessiert sich dafür, wie diese Erfahrungen und Auswirkungen durch dokumentarische Praktiken und erweiterte Performances vermittelt werden können.
Seine Arbeiten verkörpern die Idee, dass Kunst den interkulturellen Dialog und sozialen Wandel fördern kann. Sie wurden 2015 bei den Regierungsgesprächen zwischen Namibia und Deutschland vorgestellt und 2018 beim Nama- und Herero-Kongress in Hamburg ausgestellt.
Trevor Stuurman (Südafrika) 1992 (Bilder 13-15)
Trevor Stuurman ist ein zeitgenössischer Multimedia-Bildkünstler, der die Welt durch seine kreative Linse betrachtet und Schönheit in dem findet, was ihn an seine Heimat erinnert – ein Ort voller Farbe, Liebe und Zugehörigkeit, der Afrika widerspiegelt. Als erfahrener Entdecker nennt er das Reisen als seine wichtigste Inspirationsquelle. „Je öfter ich mein Land verlasse, desto mehr erkenne ich die Macht und Bedeutung meines Landes. Ich denke, es macht mich zu einem besseren Geschichtenerzähler, weil ich überall, wo ich hingehe, Elemente von Heimat finden und greifbare Produkte schaffen kann.“ Dieses Gefühl der Zugehörigkeit inspirierte ihn dazu, seine erste Einzelausstellung mit dem Titel „Home“ zu kuratieren, einen Liebesbrief an die Himba-Frauen Namibias, der erfolgreich in der Hazard Gallery in Johannesburg ausgestellt wurde.
Er arbeitet mit internationalen humanitären Stiftungen zusammen, darunter den Vereinten Nationen, der Gates Foundation und der Auma Obama Foundation, die den ehemaligen US-Präsidenten Barack Obama dokumentiert. Trevor, der von CNNs African Voices als „kulturelle Kraft“ beschrieben wird, schärft weiterhin sein kreatives Auge und seine Beauty- und Mode-Zentren. Kein Wunder, dass er glaubt, „Afrikaner zu sein, ist seine Superkraft.“
THK Galerie
Kapstadt, 8001, Südafrika
www.thkgallery.com
Urbanek London: Maciej Urbanek (Polen/USA/Großbritannien) 1979 (Bilder 16-18)
Die Praxis vonUrbanek analysiert die theoretischen und philosophischen Grundlagen der Fotografie. Der Schwerpunkt liegt auf der Beziehung zwischen Fotografie und Realität. Urbaneks auf Unseen 2024 präsentierte Werke zielen darauf ab, die problematische und komplexe Natur dieser Beziehung aufzuzeigen. Die vier auf der Messe präsentierten Werke reichen von einem „geraden“ und unmanipulierten fotografischen Bild (Open Forms) über eine stark manipulierte, vielschichtige und konstruierte fotografische Konstruktion (Sun.Flower) bis hin zu Werken, die fotografische Positive und Negative verschmelzen (White Lies und Brotherly Love). Diese drei unterschiedlichen Behandlungen zielen darauf ab, das Vertrauen in die Fotografie und den Glauben zu erschüttern, dass dieses Medium in der Lage ist, die Welt, in der wir leben, getreu abzubilden. Der Künstler nimmt das Alltägliche und Banale und verwandelt es in ein visuelles Spektakel – Feuer, Wasser, der Wald, Müllsäcke sind allgegenwärtig und umgeben uns jeden Tag, ohne dass wir sie bemerken – der Künstler präsentiert sie als von elementarer, fast magischer Qualität und lässt den Betrachter sie als außergewöhnliche Wunder wahrnehmen.
URBANEK
SE21 8QR London
https://urbanekgallery.co.uk/
VF Art Projects Spanien & Luxemburg: Hugo Aveta, Dionisio Gonzales
Hugo Aveta (Argentinien) 1965 (Bilder 19-21)
International renommierter argentinischer Künstler. Er studierte zunächst Kino und Architektur, bevor er sich der Fotografie widmete. Viele der Werke dieses Multimediakünstlers rufen Erinnerungen und schwierige Situationen hervor, die sein Land erlebt hat. Mithilfe von Fotografie und Kino behandelt er auch die universelleren Themen der Erinnerung und ihrer Weitergabe. Aveta ist auch fasziniert von Materie und Bruchlinien. Seine Arbeit ruft Kräfte im Kampf, Unsicherheiten, Risiken, Misserfolge hervor, aber auch Träume und Hoffnungen, die zerbrechlich und erschüttert sind, aber immer noch bestehen. Seine jüngsten Ausstellungen waren „Invisible Gods“ im Museo Inmigrantes in Buenos Aires, Argentinien; „The fascination of the fault“ im Kuzzam Palace in Saudi-Arabien und „The fascination of the fault“ im MACVAL, einem Museum für zeitgenössische Kunst in Paris, Frankreich. Seine Werke wurden in den renommiertesten Institutionen ausgestellt.
Dionisio Gonzales (Spanien) 1965 (22-24)
Bildender Künstler von anerkanntem internationalem Prestige, dessen Werk gezielt die Wohnungsprobleme untersucht, denen die volkstümliche und unregelmäßige Architektur gegenübersteht, sowie die großen konstruktiven Utopien der Nachkriegszeit, die gescheitert sind. Kurz gesagt, diese Architekturen sind dem Zusammenbruch und der Verwischung ausgesetzt. Seine Arbeiten wurden in den renommiertesten Institutionen und Museen der Welt ausgestellt.
VF Kunstprojekte
Spanien & Luxemburg (2 Unterkünfte)
www.vfprojects.com
