das künstlerische Doppelleben von Paolo Colombo

Paolo Colombo (Turin, 1949) unterbrach seine künstlerische Tätigkeit für zwanzig Jahre, um sich seiner Familie und verschiedenen Museen und künstlerischen Institutionen zu widmen. Eine Erfahrung, die ihn die Welt der Kunst aus dieser doppelten Sichtweise verstehen ließ. Paolo Colombo ist Absolvent der Sprach- und Literaturwissenschaften an der Universität Rom und auch Dichter.

Seine Kunst lebt ebenso wie seine Poesie in enger Verbindung mit den Rhythmen des Alltags und des inneren Denkens. Er lebt in Crans-Montana im Wallis und hat seine Werkstatt in Athen, die er für ideal hält, um seine Kunst und einen einfachen Lebensstil in Symbiose zu leben.

Der Name Paolo Colombo ist eng mit dem Genfer Zentrum für zeitgenössische Kunst verbunden. Seine Rückkehr hat durchaus das Zeug zu einem Symbol, zumal sie dazu beitrug, den Platz dieser Institution in der europäischen Kunstszene zu festigen. Zu den ausgestellten Werken zählen Aquarelle, teilweise begleitet von poetischen Texten, multimediale Werke und Auszüge aus einigen seiner Bücher. Wir entdecken auch Kooperationen, die zeitgenössische Kunst und traditionelles Handwerk verbinden. Wie dieser in Indien hergestellte Teppich, verziert mit Stickereien, die in Zusammenarbeit mit entstanden sind wiederholen.

Die vierzig ausgewählten Werke aus dem Zeitraum 1971–2024 beziehen sich auf Existenz und Schönheit und bieten dem Publikum eine Reflexion über das kulturelle Erbe und die regenerative Kraft der Kunst. Die Ausstellung ist bis zum 2. März 2025 zu sehen.

Paolo Colombo, An Land, 2021.

2020 Fotografie Boris Kirpotin / Mit freundlicher Genehmigung der Bernier-Eliades Gallery

swissinfo.ch: Wie war Ihre Rückkehr als Künstlerin ans Zentrum für zeitgenössische Kunst?

Paolo Colombo: Es ist eine Rückkehr, die mich tief berührt. Ich habe 1978 zum ersten Mal in diesem Zentrum unter der Leitung von Adelina Von Fürstenberg ausgestellt. Als ich ging, war die Institution noch jung und hatte ein reduziertes Budget. Ich finde es in voller Reife, mit Retrospektiven führender Künstler und einer fantastischen Biennale des bewegten Bildes. Sein Ruf wurde auch dank seines derzeitigen Direktors Andrea Bellini gestärkt. Ich freue mich sehr, als Künstlerin von den Fortschritten des Zentrums zu profitieren und diese feiern zu können.

Während Ihrer Amtszeit haben Sie mit begrenzten Ressourcen gearbeitet. Ein Kontext „institutioneller Armut“, wie Sie es beschreiben. Und das trotz des Reichtums der Stadt. Wie sind Sie beim Ausbau des Zentrums vorgegangen?

Der Kontrast zwischen dem Reichtum Genfs und der Schwäche der für die zeitgenössische Kunst bereitgestellten Ressourcen hat mich immer beeindruckt. Ich musste eine erfinderische Einstellung entwickeln, die aus meiner Kindheit stammt. Als Kind habe ich mir vorgestellt, dass ich aus Menschen, die mit Gummibändern spielen, ein Orchester zusammenstellen könnte. Und in meiner Führungsarbeit habe ich diese Idee Wirklichkeit werden lassen. Eine „kreative Nüchternheit“, die sich auch in meiner künstlerischen Arbeit widerspiegelt. Um die Metapher zu erweitern: Ich war mein ganzes Leben lang in verschiedenen Rollen Leiter eines Gummibandorchesters.

Paolo Colombo, Glyzinien (Detail), 2023.

Zur Verfügung gestellt vom Künstler und der Baert Gallery

Sie waren in schwierigen Kontexten als Kurator tätig, beispielsweise bei der Mardin Biennale (Türkiye). Was haben Sie aus diesen Projekten gelernt?

Als ich 2012 die Mardin Biennale organisierte, hatte ich ein Budget von nur dreißigtausend Dollar. Die Biennale wurde aufgerufen Doppelte Aufnahme. Es war eines meiner prägendsten Erlebnisse: Ich platzierte Werke in Cafés und öffentlichen Räumen, wo die Grenze zwischen Kunst und Alltag verschwimmt. Es hat mich gelehrt, dass Kunst für sich allein stehen kann und nicht vom Kontext abhängt. Wenn ein Werk wirklich funktioniert, hat es die Fähigkeit, auch in einem unkonventionellen Umfeld von allen wahrgenommen zu werden.

Kommen wir zu Ihrem Leben als Künstler. Zwischen Ihrer Ausstellung in Mailand 1974 und heute sind fünfzig Jahre vergangen. Was hat sich in Ihrem künstlerischen Ansatz verändert? Und was hat es umgekehrt immer begleitet?

Ich habe eine 21-jährige Pause von meiner Arbeit als Künstler eingelegt. Ich glaube nicht, dass es möglich ist, ein Sonntagsmaler zu sein. Der Beruf des Kurators war meine größte Schule. Ich habe viel über Räume gelernt, aber mir fehlt die Perspektive, einen Einfluss der Kuration auf meine künstlerische Arbeit zu erkennen. Poesie gibt mir wie Malerei ein Gefühl der Ekstase, das zur Wesentlichkeit und Nüchternheit meiner Kunst passt. Ich begann mit Bleistift und Papier und schuf Kunstwerke, die ich zusammenrollen und in einen Schuhkarton schieben konnte. Dieses Gefühl der Nüchternheit ist ein roter Faden, der sich durch mich zieht und in meiner Arbeit fortbesteht. Noch heute mache ich zum Beispiel Videos mit meinem Handy und Materialien, die ich am Strand gefunden habe.

In Ihrer Arbeit scheint die Zeit wichtiger zu sein als materielle Elemente. Ist das eine korrekte Lesart?

Absolut. Meine Arbeiten spiegeln einen meditativen, fast rituellen Ansatz wider, wenn man bedenkt, dass ich dieselbe Geste, einen Pinsel in Wasser zu tauchen, um ihn zu reinigen, 100 bis 120.000 Mal für ein einzelnes Gemälde wiederhole. Es gibt eine Art Selbsthypnose beim Malen, beim Erschaffen jedes einzelnen Elements des Mosaiks oder beim Nachzeichnen einer Linie, eines Punktes oder einer Mosaikfliese. Für mich ist die Zeit, die in eine Arbeit investiert wird, spürbar.

Sie sind ein glücklicher Einwohner von Crans-Montana, aber Ihr Atelier befindet sich in Athen. Welchen Einfluss hat Griechenland auf Ihre Arbeit?

Griechenland ist meine unerschöpfliche Inspirationsquelle. Es ist das Land der Freude, der Musik, die ich mein ganzes Leben lang gehört habe, und der Gedichte von George Seféris und Kaváfis, die ich immer noch lese. Die byzantinische Kunst, abstrakt und nicht-mimetisch, hatte schon immer einen großen Einfluss auf mich. In Athen habe ich ein beschämend wunderbares Leben, die Stadt bietet mir den Rhythmus und die Konzentration, die ich zum Arbeiten brauche, in einem Kontext, in dem ich in meinem eigenen Tempo leben und kreativ sein kann, indem ich die Arbeit mit einfachen Freuden wie dem Füttern der Straßenkatzen abwechsele. Eine Einfachheit, die ich auch als Kind in den Schweizer Alpen erlebt habe.

Was möchten Sie, dass die Öffentlichkeit Ihre Arbeit mitnimmt?

Ich male, was mir gefällt, was ich schön finde, ohne mir Gedanken darüber zu machen, ob es gefällt oder nicht. Zum Beispiel griechische Musiker der 1920er bis 1950er Jahre. Ich hoffe, dass die Öffentlichkeit erkennt, welche Zeit und Seele ich meinen Werken widme, welche Gelassenheit und Sorgfalt ich habe. Jedes Werk ist das Ergebnis tausendfach wiederholter Gesten. Es ist eine Art, im Gleichgewicht mit der Welt zu leben. Ich hoffe, dass jeder Betrachter etwas Universelles in meiner Arbeit findet.

Sollte Kunst Ihrer Meinung nach eine politische Rolle spielen und kulturelle Spaltungen und Stereotypen in Frage stellen?

Ich denke nie darüber nach. Ich denke immer an eine begrenzte Dimension, ein 1:1-Verhältnis zum Werk, zum Beispiel an ein Buch. Meine Arbeit ist keineswegs eine Einschätzung dessen, was in der Welt passiert. Für mich geht es in der Kunst mehr um Authentizität und Menschlichkeit als um Politik. Nüchternheit und Aufrichtigkeit können eine Kraft haben, die über kulturelle Muster hinausgeht.

Was wünschen Sie sich für das Zentrum, das wegen Renovierungsarbeiten für mindestens drei Jahre geschlossen werden muss?

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Paolo Colombo, Aphrodites Hand, 2021.

Zur Verfügung gestellt vom Künstler, Privatsammlung, Paris.

Ich hoffe, dass einige historische Elemente erhalten bleiben, wie zum Beispiel der Holzblockboden, der Geräusche und Vibrationen dämpft. Nach fünfzig Jahren ist es für einen Ort selbstverständlich, sich zu erneuern. Ich bin davon überzeugt, dass Bellini die richtigen Entscheidungen für die Zeit trifft, die Identität des Zentrums respektiert und sie weiterhin auf eine internationale Zukunft ausrichtet, die keineswegs paternalistisch ist.

Diese vorübergehende Schließung mit der Ausstellung Rituale der Fürsorge des brasilianischen Künstlers Antonio Obá (1983) geht es in die Richtung, mit einer oft stereotypen Vorstellung davon zu brechen, was von außereuropäischen Künstlern erwartet wird?

Sicherlich versetzt es mich dreißig Jahre und mehr in die Vergangenheit, als ich eine Ausstellung mit brasilianischen Künstlern wie Jac Leirner und den visuellen Dichtern Augusto und Haroldo de Campos zusammenstellte. Damals war es gar nicht so einfach, eine Ausstellung zu organisieren, bei der außereuropäische Künstler nicht in vordefinierte und einschränkende Kategorien eingeteilt wurden. Glücklicherweise ist dies nicht mehr der Fall.

Korrekturgelesen und überprüft von Daniele Mariani/übersetzt aus dem Italienischen von Pierre-François Besson

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