Treffen mit dem Schweizer Künstler John M Armleder

John M. Armleder, ein Künstler, der die Codes der Kunst auf den Kopf stellt

Es ist ein arbeitsreicher Winter für den legendären John M. Armleder, der bei ausstellt Genf und hat ein neues Buch bei Three Star Books herausgebracht. Der produktive Künstler hat weiterhin produziert Kunstwerk vielfältig und reichlich, was den Begriff des ästhetischen Wertes ständig in Frage stellt.

Bei ihm ist alles möglich, und er zwingt uns systematisch dazu, unsere mit Geschmacksvorstellungen, Kategorien, Kunstgeschichte usw. verbundenen Beurteilungskriterien neu zu bewerten. Seine Serie Möbelskulptur – in dem er abstrakte Gemälde mit Stücken kombiniert DesignMöbel… – ist zweifellos einer der relevantesten Vorschläge, um die Hierarchie zwischen den verschiedenen ästhetischen Bereichen, aber auch die historischen Verbindungen und Gegensätze zwischen Kunst und Dekoration zu hinterfragen, ohne die Fragen im Zusammenhang mit der Szenografie zu vergessen.

Ebenso prallen in seiner Serie Tapeten, Logos, Discokugeln, Pailletten und Karosserielacke aufeinander Pfützengemäldehergestellt auf auf dem Boden platzierten Leinwänden, oder Gemälde gießenzufällig erzeugte vertikale Tropfen, die er in der Galerie Almine Rech in Monaco präsentiert. Wir haben diesen Künstler getroffen, der sich für das, was er tut, nicht verantwortlich fühlt und sich nur als Passant betrachtet, als Bindeglied zwischen Kunst und Betrachter.

Treffen mit dem Künstler John M. Armleder, ausgestellt in ganz Genf

Nummer : Können Sie uns kurz etwas über Ihren Hintergrund erzählen, woher Sie kommen, was Sie studiert haben und inwieweit Sie der Kontext, in dem Sie aufgewachsen sind, beeinflusst hat?

John M. Armelder: Ich weiß nicht, ob wir wirklich so reden können. Ich wurde in Genf geboren, wo meine Familie ein Hotel besaß [le mythique palace Le Richemond, désormais fermé]. Meine Mutter war Amerikanerin, aber sie lebte immer in Europa und hatte viele Kontakte zur Kunstwelt und zu Sammlern wie Peggy Guggenheim. Sie nahm mich schon in jungen Jahren mit in Museen.

Erinnern Sie sich an Ihre erste Begegnung mit Kunst? Wie begann Ihre Berufung?

Ich rede immer von meiner ersten Offenbarung. Ich war 3 Jahre alt und wir besuchten Florenz. Dieses große Gefühl, das ich empfand, geschah in einem alten Kloster [le couvent de San Marco]wo es kleine Zeichnungen an den Wänden gab, die von den Mönchen angefertigt wurden, und wo es auch ein Gemälde von gab Fra Angelico Stellt den Erzengel Gabriel dar, der kommt, um die Ankunft Christi anzukündigen. Ich war erst 3 Jahre alt, aber ich erinnere mich noch genau, dass der Erzengel einen polychromen Flügel hatte, der mich völlig faszinierte. Meine Mutter fand mich vor dem Gemälde und sagte mir, ich hätte Tränen in den Augen. Ich kann auch einen zweiten wichtigen Moment anführen. Wir sind dann in den Vereinigten Staaten, noch bei meiner Mutter, im Jahr 1956. Damals war ich 8 Jahre alt. Wir besuchen die MoMA und sie findet mich vor dem Weißes Quadrat auf einem weißen Hintergrund von Malewitsch, und ich sagte zu ihm: „Na ja, sehen Sie, das ist moderne Kunst. Das ist es, was ich später tun möchte.„Wir sind vom totalen Polychromismus zum Modernismus und zum Monochrom übergegangen.

„Ich wurde 1948 geboren, kurz nach dem Krieg, also bin ich eine Art linker Hippie.”

John M. Armleder

Wo hast du studiert?

Ich war immer ein sehr schlechter Schüler und habe mein Abitur nicht gemacht. Ich ging zumHochschule der Schönen Künste Genfwas damals sehr akademisch war. Gleich nebenan befand sich das Museum für Kunst und Geschichte, und uns wurde gesagt, dass wir dort wie im Louvre Meistergemälde kopieren könnten. Ich habe mir gesagt, dass dies nicht mehr getan wird, und doch habe ich es getan. Ich habe kopiert Konrad Witz Und Ferdinand Hodler. Das ist alles, was ich im Studium gemacht habe.

Wie war der damalige Kontext?

Ich wurde 1948 geboren, kurz nach dem Krieg, also bin ich eine Art linker Hippie. Als ich aus dem herauskamSchule der Schönen KünsteIch verweigerte meinen Militärdienst und verbrachte sieben Monate in einem alten Gefängnis. Ich habe dort wahrscheinlich mehr über menschliches Verhalten gelernt als anderswo.

Bei der Produktion Ihrer Arbeiten verwenden Sie ein breites Spektrum an Medien: Malerei, Video, Skulptur, Installation, Performance usw. Wie navigieren Sie zwischen ihnen? Ist Ihnen eine Praxis wichtiger als eine andere?

Nein, überhaupt nicht. Ich denke, es gibt eine völlige Gleichwertigkeit zwischen allen Arten, ein Werk zu produzieren. Als ich noch sehr jung war, habe ich viel auf Papier und Zeichnungen gearbeitet, aber irgendwann begann ich, meine Ausdrucksmittel zu diversifizieren, und dann blieb ich bei dieser Arbeitsweise. Es gibt Künstler, die von einer Epoche zur nächsten wechseln und nie wieder zurückkehren, wie Picasso, und andere, die eine Sache beginnen und sie ihr ganzes Leben lang fortsetzen, wie Picabia. Ich stehe in dieser Tradition.

Wie wichtig ist Ihnen der Workshop? Haben Sie eine tägliche Praxis?

Seit mehreren Jahren habe ich einen Workshop, den ich mit dem Künstler teile Mai-Do Perretaber ich hatte lange Zeit keines. Neben der Produktion von Werken habe ich dort auch mein Archiv und meine Bibliothek eingerichtet sowie eine Reihe alter Werke, die ich dort aufbewahre.

Eine produktive Karriere seit den 1960er Jahren

Diesen Herbst präsentieren Sie drei Ausstellungen in Genf, darunter eine von zwei Galerien, mit denen Sie nicht gewohnt sind, zusammenzuarbeiten, und eine dritte im Barbier-Mueller-Museum. Was können Sie uns dazu sagen?

Ich schlage eine Retrospektivausstellung mit Zeichnungen von Olivier Varenne vor, sein Vater war ein bedeutender Galerist. Als ich in dieser Werkstatt ankam, machten wir eine Bestandsaufnahme meiner Bestände und fanden viele Arbeiten auf Papier aus verschiedenen Epochen. Diese Sammlung enthält Werke von den 1960er Jahren bis heute, obwohl ich sie nur noch selten anfertige. Im Haus von Balthazar Lovaydas ist ein Projekt, das bis in die 70er Jahre zurückreicht. Als ich damals auf der Straße ging, hob ich verlorene Spielkarten auf. Ich habe diese Karten gesammelt und daraus Collagen gemacht. Und es gibt auch Boxen, die wie kleine Vitrinen aussehen und an Kunstwerke erinnern. Joseph Cornell oder von George Brecht.

Au Barbier-Mueller-Museumdieses Mal ist es eine Zusammenarbeit. Die Kuratorin dieser Institution stellte einen Dialog zwischen Werken aus ihrer Sammlung und meiner Arbeit her und versuchte insbesondere, formale Beziehungen zu meinen Glasstücken hervorzuheben, von denen die meisten in hergestellt wurden Murano vor etwa fünfzehn Jahren. AllesExposition basiert auf dieser Idee der Transparenz, die auch ein wenig duchampianisch ist. Duchamps Hauptwerk, Das große Glaswar kaputt. Der Künstler entschied, dass die Zerbrochenheit Teil des Werks sei und versuchte nie, sie zu reparieren. Dieser Vorschlag schien mir immer nett zu sein… Endlich, bei Almine Rechich zeige Tropfen. Die Herstellung dieser Arbeiten hat eine performative Seite, da ich die Farbe auf die Leinwand werfe. Im Allgemeinen entscheide ich mich für ein Format, kaufe eine bestimmte Anzahl Farben und erschöpfe den Vorrat auf der Leinwand mit Farben, die nicht unbedingt mischbar sind. Dadurch kommt es zu absolut unkontrollierbaren chemischen Reaktionen, und das ist es, was mich interessiert. Am Ende wähle ich nichts aus, es ist die Leinwand, die mich auswählt, und das war schon immer meine Position.

„Ein Werk ist nie fertig, weil es vom Betrachter übernommen wird und dann zu etwas anderem wird.”

John M. Armleder

Was interessiert Sie an Layoutfragen?

Oft habe ich das Gefühl, dass die Anordnung an sich schon ausreicht. In gewisser Weise ist das Einrichten der Arbeit die Arbeit, und es besteht keine Notwendigkeit für etwas anderes. Während meiner Ausstellung im Fernand-Léger-Museum In Biot habe ich 2014 einige von mir vor Ort gefertigte Gemälde präsentiert, die Details aus bestimmten Gemälden von Léger aus seiner abstrakten Periode aufgreifen. Aber zwischen diesen Leinwänden gab es auch Geister von Leinwänden, denn an den Wänden, die nicht gereinigt worden waren, waren leere Quadrate zu sehen, die verrieten, dass hier zuvor andere Werke gezeigt worden waren, wie Drucke ihrer vergangenen Anwesenheit. So wurden diese Drucke zu Werken, die jedoch nicht von Dauer waren, da die Wände bald darauf neu gestrichen wurden.

Woran erkennt man, dass ein Werk fertig ist?

Ein Werk ist nie fertig, weil es vom Betrachter übernommen wird und dann zu etwas anderem wird. Und am Ende hat es vielleicht auch nie angefangen. Diese Idee der Rahmung des Werkes, die im Verhältnis zu seiner Geschichte suggeriert, es sei fertig, interessiert mich nicht wirklich. In einigen Fällen finden wir Zeichnungenoder Gemäldedie wir in Mengen zusammensetzen werden, die nicht die ursprünglichen sind. Und für die Menschen, die sie betrachten, wird sich der Kontext ändern und sie werden sie möglicherweise anders verwenden. Solche Übergänge passieren ständig, und daher wäre es völlig zwecklos, den Zweck einer Arbeit anhand theoretischer Anforderungen zu definieren. Ich denke immer, dass das, was ich getan habe, von jemand anderem getan worden wäre, wenn ich es nicht getan hätte Es. In gewisser Weise ist alles bereits erledigt und wird auch später noch einmal erledigt.

Gibt es etwas, das Sie mitteilen möchten? In welche Geschichte möchten Sie Ihre Arbeit einordnen?

Nein, darüber habe ich nie nachgedacht und ich glaube, dass es von selbst passiert und sich mit der Zeit weiterentwickelt. Ich glaube überhaupt nicht an die „historische“ Idee einer Bewegung, die ein Künstler repräsentieren soll. Wie auch immer, ich bin ein Künstler wie jeder andere, ein durchschnittlicher Künstler, der durchschnittliche Werke macht, und die Leute können damit machen, was sie wollen. Ich glaube, dass etwas vermeintlich Wichtiges mit der Zeit zu etwas Unbedeutendem werden kann und umgekehrt.

Ausstellung „Transparent von John M. Armleder“, bis 5. Januar 2025, im Barbier-Mueller-Museum, Genf, www.barbier-mueller.ch.

Ausstellung „Soubresauts 1 von John M. Armleder“, bis 5. Januar 2025, in der Lovay Fine Arts Gallery, Genf, www.lovay.ch.

Ausstellung „Soubresauts 2 von John M. Armleder“, bis 23. März 2025, in der Galerie Olivier Varenne, Genf, www.varenne.art.