[Compte-rendu] Arras Film Festival 2024: TAG 2. Charleroi und New York: Tollpatschige Menschen und Seiltänzer sind auf einem Boot.

Habe mich kaum von (DJ) Francis erholt. Ein Kaffee. In Arras ist es noch ein paar Stunden lang grau. Kaum hat der Morgen begonnen, stürzen wir uns mit einer erwartungsvollen Vorschau in die Dunkelheit der Welt.

• Fabrice du Welz – „The Maldoror File“ (Vorschau)

Charleroi, 90er Jahre. Junge Mädchen verschwinden. Keine Spur, keine Spur. Und die Polizei, die agiert, indem sie die Undurchlässigkeit zwischen den Dienststellen ausnutzt. Der Fall gerät ins Stocken. Paul Chartier, ein junger idealistischer Gendarm mit einer unruhigen Kindheit, wird allmählich von dem Fall besessen und schließt sich der Operation Maldoror an, die für die Überwachung des Hauptverdächtigen verantwortlich ist.

Der neue Film von Farbice du Welz ist von Anfang an faszinierend: durch seine Dauer (fast 2 Stunden 40 Minuten) und durch sein Thema. Das des absolut Bösen, Trauma eines ganzen Landes. Die Dutroux-Affäre, von der du Welz sich nicht nur „inspirieren“ lässt, sondern traumatische Bilder in der klebrigen Atmosphäre aufwärmt, die sein Markenzeichen ist.

Und es muss gesagt werden, dass der Film trotz seiner mehr oder weniger überwältigenden und mehr oder weniger gut verdauten Einflüsse (die an „Der Pate“ oder „Der Hirschjäger“ erinnernde Ehe, die Obsession im Zodiac-Stil, Texas Chainsaw Massacre usw.) beeindruckt.

Durch die intensive, äußerst genaue und spannungsgeladene Interpretation des unglaublichen Anthony Bajon (sicherlich einer der größten seiner Generation), durch sein überwältigendes und düsteres Universum, das von Charleroi und seinen Vororten, gefilmt wie eine unübertreffliche Linie und ein grauer Käfig und eine Wohnung , als ob das Böse in der Stille dieser heruntergekommenen Ecke Belgiens Gestalt annehmen würde, als ob in dieser bereits verwüsteten, bereits im Verfall befindlichen Region „unweigerlich“ ein Monster geboren werden könnte.

Sehr schnell verriet das Projekt jedoch seinen ursprünglichen Horizont. Mit disparaten und verzeihlichen Strichen, dann aber auch offener, belastet er sein Szenario und seine Charaktere mit nutzlosen und archetypischen Possen, direkt aus einem Bestiarium der B-Serie: der hierarchische Vorgesetzte mit der Narbe und der Augenklappe, die Müllexplosionen, Jacky Berroyers Perücke, die Frau Mutter aus einem Bordell in den 1930er Jahren, die weißen Schlaghosen der leidenden Mutter (Isabelle Dalle, ähnlich wie sie selbst), die Brüche im filmischen Ton, Hollywood-Verlockungen (mit Killern mit automatischen Waffen) oder Horror (die Schweineszene, das Horrorhaus im Stil von Tobe Hooper oder der degenerierte Beatnik-Trend Charles Manson) usw.

Diese Versuchung des Grotesken und Gloubiboulga wird am schrecklichsten in der Figur von Dedieu/Dutroux verkörpert, gespielt von einem Sergi Lopez (noch ein großartiger Schauspieler), der wie ein schmutziger Zigeuner aussieht, der rülpst und seine Gewalt und sein falsches Lächeln mit sich herumträgt … mit einem singenden, unpassenden katalanischen Akzent, der ihn am Ende komisch macht („Magst du es, Calipots zu lutschen?“). Diese Figur ist ein Spiegelbild des gesamten Films. Unnötig belastet, vorbereitet statt beunruhigt. Was bleibt vom Monster unter der Haube?

Diese filmischen Monstrositäten, die auf milde Weise gegensätzliche Versuchungen zwischen Genrefilm und Chronik verbinden, erzeugen am Ende ein tiefes Unbehagen über das gesamte Projekt. Warum „so tun“, als würde man die Dutroux-Affäre rekonstruieren, indem man mit Analogien von Orten, dem Alter der Opfer, sich abspielenden traumatischen Bildern spielt (unglaubliche und verstörende Rekonstruktion des schrecklichen Verstecks ​​im Keller hinter dem Flaschenregal, einem Bauernhof, der dem Haus von Sars ähnelt). ), um sie dann mit dieser grotesken Parade zu kontaminieren? Welche Ethik gilt in dieser Angelegenheit?

Schlimmer noch: Sobald die Verhaftung von Dedieu/Dutroux vorbei ist, verwandelt sich der Film in einen letzten Akt im Stil eines Western-/Rachefilms, der völlig irrelevant und realitätsfremd ist und letztendlich ein moralisches Problem aufwirft, sowohl die Frage der individuellen Gerechtigkeit als auch die Frage, was er entfaltet mit einer umfassenden Reflexion über einen pädophilen Tiefenzustand von „völlig faul“.

Scheitern und Unbehagen sind umso schädlicher, als er, wenn er seine klugen Tricks abgelegt hat, wenn er endlich seine Rolle in Moll spielt, nur eine Aufnahme eines Kanals, eines Bahnsteigs, eines Hochofens im Schatten braucht oder ein Blick von Bajon, damit Maldoror es schafft, die Mechanismen einer Besessenheit, des Grauens mit erschreckender Genauigkeit aufzuzeichnen, zu verkörpern und sie wiederzubeleben, um die Wunden besser zu heilen einer Generation. Bleib cool, Fabrice.

• Goran Paskaljević – „Das Amerika der Anderen“ (Retrospektive und Ehrengast: Miki Manoljovic)

Und nach dem Regen das gute Wetter: Das Jahr 2024 ist auch der Anlass für eine großzügige Hommage (Meisterklasse, transversale Programmierung) an denjenigen, der das Kino des ehemaligen Jugoslawiens im Westen am besten symbolisiert, den ganz großen Miki Manojlović, Lieblingsschauspieler von Kusturica und viele andere.

Urteilen Sie selbst: „Papa ist auf Geschäftsreise“, „Underground“, „Black Cat, White Cat“, „Promise Me“, „On the Milky Road“, aber auch „Tito and Me“, „Irina Palm“. ganz zu schweigen von Auftritten bei Ozon („Criminal Lovers“), Danis Tanovic („L’enfer“), Beinex („Mortel Transfer“) usw.

Und Goran Paskaljević also. Kusturicas Bruder im Herzen, der Klassenkamerad, mit dem er an der FAMU in Prag studierte. Aber der, wie wir sehen werden, den extravaganten Barock durch ein viel diskreteres Werk ersetzt hat, dessen Subtilität von unendlicher Zärtlichkeit durchdrungen ist.

Auf einem Szenario von Gordan Mihić („Schwarze Katze, weiße Katze“, „Die Zeit der Zigeuner“, na ja, oder „Balkan-Express“) sind hier Alonso (Tom Conti) und Bayo (Miki Manoljović), zwei Auswanderer rennt hinkend dem amerikanischen Traum entgegen. Sowohl aus ihrem Land als auch aus New York verbannt, das sie von den Küsten und Träumen von Long Island aus beobachten, überlebt Miki, so gut er kann, indem er handwerkliche Arbeiten verrichtet und in einem schmuddeligen Raum in der Bar/dem Restaurant wohnt, die Alonso betreibt und in dem er lebt wacht schweigend über eine blinde Mutter (Maria Casares, deren letzte Rolle darin besteht).

Das Leben vergeht trotz der Schwierigkeiten in einer Art Freude. Wir tun, was wir können, in gegenseitiger Hilfe und Freundschaft, und beobachten aus dem Augenwinkel eine schöne junge Iranerin, deren Schmerzen von der chinesischen Gemeinde behandelt werden, deren Fenster auf die Bar blicken.

Doch es kommt zu zwei gegensätzlichen Bewegungen, die alles auf den Kopf stellen: Alonsos Mutter will zum Sterben nach Spanien zurückkehren. Und Mikis Familie beschließt, sich ihm ohne Vorwarnung anzuschließen, weil dort, im Herzen des ehemaligen Jugoslawien, seine jüngste Tochter stirbt, weil sie ihren Vater nicht sieht.

Werden Alonso und Bayo es schaffen, von Fallstricken bis hin zu Trauer ihre Höflichkeit der Verzweiflung zu bewahren, dieses Lachen, das alles heilt? Kann der Traum weiterhin auf das Drama reagieren?

Es ist ein kleines wundersames Nugget, zu dem uns das Festival an diesem grauen Tag einlädt, eine leuchtende Blase, die von der wunderschönen Arbeit von Giorgos Arvantis (Angelopoulos‘ ernannter Kameramann, sorry) erleuchtet wird und zu der die neu restaurierte Kopie, die wir exklusiv in Arras sehen, eine hervorragende Ergänzung darstellt Huldigung. Eine farbenfrohe, bittersüße Farandole, die perfekt zum Thema von Andrew Dickson (der regelmäßig mit Mike Leigh zusammenarbeitet) passt, ein fabelhafter Oboenflug, der auf die unermüdlichen Bewegungen der beiden Vertriebenen reagiert.

Wir könnten dann die Schönheit des Duos mit dem tragischen und körperlichen Humor von Bayo/Alonso ausführlich erläutern und die Qualität der Interpretation von Conti und Miki verherrlichen, deren Körper, Mimik und Bewegungen in einem Werk genauso viel sagen wie die Worte Irgendwo zwischen Burlesque-Kino und dem Zirkusuniversum, dessen Ansätze und Absurditäten an die glorreichen Hobos erinnern, von Chaplin bis zu den verlorenen von Beckett (Vladimir und Estragon oder die). Charakter der Mutter, deren Brille am Ende des Spiels an die von Hamm erinnert).

Wir könnten auch diese Qualität des Tons begrüßen, diese sehr slawische Art, auf Drama mit Einfallsreichtum und Lachen oder Fantasie zu reagieren (Hahnzucht), und gleichzeitig der Schönheit Luft zu geben, auch wenn das bedeutet, sie mit Drama zu färben (die Szene des Brunnens). , insbesondere) mit einer Inszenierung, die ebenso wie die Charaktere mit Leichtigkeit geschrieben ist, „wie im Vorbeigehen“. Diese einfache Aufnahme verdeutlicht dies: Während einer Beerdigung (die allerdings in einem Pickup mit einer riesigen Kuh durchgeführt wurde) schwenkt die Kamera. Am oberen Bildrand sieht man für ein paar Sekunden die Türme von Manhattan. Und darüber, durch eine fast perfekte Linie getrennt, Hunderte von Gräbern. Das derer, die alles aufgegeben haben, um von Amerika zu träumen und diese Tricks zuzulassen, und auf deren Seite der Film steht.

Diese diskreten und impressionistischen Akzente fassen dieses schöne Projekt zusammen, das genauso spannungsgeladen ist wie seine Helden und in jeder Sequenz nach einem Gleichgewicht zwischen Burleske und dem, was es beinhaltet, strebt.

Denn „Das Amerika der Anderen“ verbirgt viele Tränen: Reue, ein vermisstes Kind, eine Geschichte, die vergeht, eine unmögliche Liebe, eine verratene Zukunft und diese Melancholie, die diejenigen, die alles zurückgelassen haben, niemals verlässt. Er spricht darüber mit einer wahnsinnigen Zärtlichkeit, die heute umso aktueller ist, ohne unnötiges Pathos, ohne unterstützten verkümmerten sozialen Horizont.

Natürlich ist der Film nicht perfekt, und er leidet unter einigen Längen, insbesondere während seines Exils an einer anderen Grenze (sagen wir nicht mehr) und den schmerzhaften Folgen seiner Rückkehr für seinen Helden, und er kokettiert manchmal mit dem richtigen Gefühl. Aber dieses „Gute“ ist auch seine Stärke, und auch Goran Paskaljević spielt damit und prangert es uns immer wieder an. Natürlich ist alles gefälscht, natürlich ist alles Dekoration, sagt er, wie der Brunnen oder die Ziege, die wir wie ein Artefakt zurückbringen. Natürlich ist jeder verstimmt und fehl am Platz, der sich in diesem schmutzigen Hinterhof aufhalten könnte. Aber genau diese Pause ist das Herzstück des Films.

Es ist die Geschichte von Menschen, die ihren Platz in ihrem Land, in ihrer Familie, in ihrer Vaterschaft nicht finden. Es ist die Geschichte von Menschen, die Geistern und Reue nachjagen. Aber die so lange leben, wie sie träumen können. Es ist die Art von bescheidenem und beruhigendem Film, von dem wir träumen, ihn an diejenigen weiterzugeben, die wir lieben, und den wir gerne allen vorstellen möchten (warum nicht noch einmal auf der großen Leinwand?). Was für ein diskretes kleines Juwel.

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